"Johnson & Johnson" es un cortometraje que no es su objetivo tener trama, sino de hacerle tributo a las películas policiacas de los 60's.
Comienza dándonos una sátira introducción a los dos personajes principales que son Johnson (Giancarlo Ruiz) y Johnson (Aaron Soto). Son agentes del dpto. de policías.... de Tijuana, supongo, y durante toda la película estan detrás de el villano llamado McManus (Giancarlo Ruiz). A muchos no les gusta películas que no tienen historia, al menos que tenga secuencia y haga sentido lo que sucede. "Johnson & Johnson" no tiene historia, tiene secuencia, pero tampoco tiene sentido. Solo sabemos que ambos andan persiguiendo al villano y quisiéramos saber por que. McManus se hecha un diálogo, pero el audio en esa escena está un poco distorcionado por alguna máquina, radiador, o algo que estaba cerca que no dejaba escuchar. Pero bueno, eso no importa.
Esta película fue dirigida por Joseph Perez, el joven que dirigió "When the world went away", y al igual que en ese proyecto se enfoca demasiado en las tomas, de tal forma que demoran muchísimo más de lo que se requiere y se convierte en una película monótona. Las escenas de acción estan hechas... pues bien, nada especial, excepto que el efecto de los balazos es impresionante. Primero J & J persiguen a un hombre en carro, luego a pie comenzando en el estacionamiento del Grand Hotel Tijuana y terminan en un lote. A pie pelean con dos tipos a balazos y es abajo del Gran Hotel donde McManus se hecha el diálogo. Son secuencias bien hechas, pero demasiado lárgas.
No siempre es así. La introducción sátira que mencioné es un momento cómico donde los personajes modelan frente a la cámara arrogantemente, pero nos queda claro que el Johnson interpretado por Aaron Soto es completamente inseguro y el Johnson interpretado por Giancarlo Ruiz es torpísimo. Nos muestran breves imágenes de sus misiones anteriores demostrando estas características. Pudo haber hecho una comedia con este material, pero Perez no lo aprovechó, hizo solo una escena largísima de acción que pierde interés durante el camino.
Johnson & Johnson. dir. Joseph Perez
"Johnson & Johnson" es un cortometraje que no es su objetivo tener trama, sino de hacerle tributo a las películas policiacas de los 60's.
Comienza dándonos una sátira introducción a los dos personajes principales que son Johnson (Giancarlo Ruiz) y Johnson (Aaron Soto). Son agentes del dpto. de policías.... de Tijuana, supongo, y durante toda la película estan detrás de el villano llamado McManus (Giancarlo Ruiz). A muchos no les gusta películas que no tienen historia, al menos que tenga secuencia y haga sentido lo que sucede. "Johnson & Johnson" no tiene historia, tiene secuencia, pero tampoco tiene sentido. Solo sabemos que ambos andan persiguiendo al villano y quisiéramos saber por que. McManus se hecha un diálogo, pero el audio en esa escena está un poco distorcionado por alguna máquina, radiador, o algo que estaba cerca que no dejaba escuchar. Pero bueno, eso no importa.
Esta película fue dirigida por Joseph Perez, el joven que dirigió "When the world went away", y al igual que en ese proyecto se enfoca demasiado en las tomas, de tal forma que demoran muchísimo más de lo que se requiere y se convierte en una película monótona. Las escenas de acción estan hechas... pues bien, nada especial, excepto que el efecto de los balazos es impresionante. Primero J & J persiguen a un hombre en carro, luego a pie comenzando en el estacionamiento del Grand Hotel Tijuana y terminan en un lote. A pie pelean con dos tipos a balazos y es abajo del Gran Hotel donde McManus se hecha el diálogo. Son secuencias bien hechas, pero demasiado lárgas.
No siempre es así. La introducción sátira que mencioné es un momento cómico donde los personajes modelan frente a la cámara arrogantemente, pero nos queda claro que el Johnson interpretado por Aaron Soto es completamente inseguro y el Johnson interpretado por Giancarlo Ruiz es torpísimo. Nos muestran breves imágenes de sus misiones anteriores demostrando estas características. Pudo haber hecho una comedia con este material, pero Perez no lo aprovechó, hizo solo una escena largísima de acción que pierde interés durante el camino.
Comienza dándonos una sátira introducción a los dos personajes principales que son Johnson (Giancarlo Ruiz) y Johnson (Aaron Soto). Son agentes del dpto. de policías.... de Tijuana, supongo, y durante toda la película estan detrás de el villano llamado McManus (Giancarlo Ruiz). A muchos no les gusta películas que no tienen historia, al menos que tenga secuencia y haga sentido lo que sucede. "Johnson & Johnson" no tiene historia, tiene secuencia, pero tampoco tiene sentido. Solo sabemos que ambos andan persiguiendo al villano y quisiéramos saber por que. McManus se hecha un diálogo, pero el audio en esa escena está un poco distorcionado por alguna máquina, radiador, o algo que estaba cerca que no dejaba escuchar. Pero bueno, eso no importa.
Esta película fue dirigida por Joseph Perez, el joven que dirigió "When the world went away", y al igual que en ese proyecto se enfoca demasiado en las tomas, de tal forma que demoran muchísimo más de lo que se requiere y se convierte en una película monótona. Las escenas de acción estan hechas... pues bien, nada especial, excepto que el efecto de los balazos es impresionante. Primero J & J persiguen a un hombre en carro, luego a pie comenzando en el estacionamiento del Grand Hotel Tijuana y terminan en un lote. A pie pelean con dos tipos a balazos y es abajo del Gran Hotel donde McManus se hecha el diálogo. Son secuencias bien hechas, pero demasiado lárgas.
No siempre es así. La introducción sátira que mencioné es un momento cómico donde los personajes modelan frente a la cámara arrogantemente, pero nos queda claro que el Johnson interpretado por Aaron Soto es completamente inseguro y el Johnson interpretado por Giancarlo Ruiz es torpísimo. Nos muestran breves imágenes de sus misiones anteriores demostrando estas características. Pudo haber hecho una comedia con este material, pero Perez no lo aprovechó, hizo solo una escena largísima de acción que pierde interés durante el camino.
33 1/2
Aaron Soto escribió y dirigió el proyecto llamado "33 1/2", y él mismolo define como una comedia romántica. En realidad la película no es cómicani romántica, simplemente es una buena película. Aaron mecionó que queríamostrar su lado sensible con este proyecto, ya que hace puros cortometrajesdel género "gore" (sangre, tripas, intestinos, etc). Tal vez a comparaciónsi lo es, pero para los que no han visto los cortometrajes anteriores serásimplemente una historia de "amor" por la superficie. La película trata de una joven llamada Cindy C.que esta obsesionada conlos discos de vynil, de hecho es DJ. en un antro, pero se experimentademasiado con ellos que, aparentemente, el dueño del antro la corre. Es aquícuando conoce a Chriss (interpretado por Aaron Soto) y comienzan un romance.Más adelante, Cindy entra en un estado de depresión, por lo cual se comedocenas y docenas de twinkies. Esta escena la muestra de una manera muyasquerosa, pero se supone que debe ser chistosa. En cortometrajes de 15, 10, o en este caso de 12 minutos, es imposiblecrear empatía hacia los personajes, es demasiado corto el tiempo, al menosque sea una tragedia. Pero historias de este tipo es difícil, por lo cualdebes dedicar mayor parte del tiempo hacia el romance. Esto lo aprendí pormedio de la experiencia. Cuando estaba en la preparatoria quise hacer unahistoria romántica y mientras escribía el guión me dí cuenta que el cortosería hasta más de una hora por que en realidad quería que la audiencia seencariñara con el personaje principal. Lamentablemente, el presupuesto no mepermitió grabarla toda completa, por lo cual el resultado emocional ...bueno, no hubo. Dudo que Soto haya querido mostrar emociones con este proyecto, pero aún así no le calculó bien. Al comenzar la película nos muestra losdetalles de como Cindy se obsesionó con los discos, es bastante interesante todo esto, pero es innecesario para la historia de amor, no había necesidaden mostrar detalles de su pasión por los discos. Ese tiempo se pudo haberdedicado a la historia de amor, o viceversa, y considerar lo de los discos como subtema. Si Soto en realidad quería darle la misma importancia a los dos aspectos hubiera hecho más largo el corto para que le diera su espacio a ambos. La historia no es lo mejor de la película. Al igual que "Omega Shell"lo mejor es la cinematografía, la edición, las tomas, y la música. Haypelículas que se disfrutan por estos aspectos, como "Omega Shell", pero norepetitivamente. Si Soto sigue así, será preferible que haga videos musicales o que se quede en el género "gore", pero nunca habrá relacion entre la audiencia y sus proyectos, ese es elmayor reto que un director debe enfrentar, y aparentemente Aaron Soto le quiere sacarla vuelta a este reto. Aún así, es buena película con buena calidad y no es aburrida, pero sepudo haber hecho mucho mejor si Soto estuviera conciente con que géneroestaba tratando.
Nota: Cuando la ví en el cecut, al salir el personaje de Aaron por primeravez en la pantalla, él mismo grito "papasíto!" desde la audiencia. La gentese carcagió de su comentario. Donde está la seriedad?
Nota: Cuando la ví en el cecut, al salir el personaje de Aaron por primeravez en la pantalla, él mismo grito "papasíto!" desde la audiencia. La gentese carcagió de su comentario. Donde está la seriedad?
Salu2 de parte de CeroBudget
Hemos estado trabajando un poco mas de lo acostumbtrado... acabo de postear varios reviews del coche bastante interesantes... tenemos planeado llevar a cerob a un nuevo nivel... esperen un poco y les daremos mas info... salu2 a to2 los que nos visitan y muchas gracias.... ah si y no olviden postear comentarios....
PeAZe
PeAZe
24 hour party people
No se si considerar "24 hour party peple" como documental, pero tiene todo los ingredientes para serlo. El protagonista en muchos casos habla directamente a la cámara, nos introduce a los personajes y nos informa que será de ellos más adelante. Nos lo informa tan claro como en un documental. Pero no lo es. Es una película que cuenta la historia de Tony Wilson (Steve Coogan), un periodista británico que comenzó una disquera que le ofrecía a los músicos completa libertad de expresión sin contratos. Durante años se mantuvo de pie al borde de la bancarota, pero a final de cuentas cayó.
El año es 1968, Tony Wilson tiene su propio programa de televisión donde muestra las bandas más experimentales del momento, tales como Iggy Pop, The Jam, Buzzcocks, entre otras. Al asistir a una tocada donde se presenta la banda "Sex Pistols", que es una de las bandas que iniciaron el punk, Wilson sale del escenario completamente inspirado y dispuesto a involucrarse más en el mundo de la música. Su primer acto es abrir un antro donde puedan tocar este tipo de bandas. La primera noche toca una banda llamada "Joy Division", la cual su cantante sufre de ataques epilépticos. Esto inspira a Wilson a realizar el segundo acto, que es abrir una disquera sin contratos... bueno, firma un papel con su propia sangre diciendo que no hay contratos. "Joy Division" es un éxito, pero el cantante se suicida antes de comenzar su gira en E.U. Es un momento muy emocional la muerte de Ian Curtis, el cantante, ya que nos muestran las escenas del funeral y como todos sus amigos lamentan su muerte y termina con un video musical de Joy Division en el cual le hacen tributo a Ian. Despés de esta trágedia el resto de los integrantes deciden seguir adelante iniciando su propia banda llamada "New Order", pero aún se quedan con la disquera de Wilson llamada "Factory Records".
Más adelante, otra banda llamada "Happy Mondays" forma parte de la disquera, pero esta banda es un desorden. Para empezar no tienen talento y en segundo lugar son adictos a la cocaína. Son impuntuales a las pruebas de audio, paran de tocar a la mitad del espectáculo, y el cantante, Shaun Ryder, siempre tiene una bebida alcohólica en la mano. Sin embargo, tienen éxito.
También nos muestra el surgimento del movimiento "rave" en Manchester, ya que habre otro antro más grande al anterior llamado "Fac-1". Se le presentan muchos problemas económicos a Wilson y durante la mayor parte de la película surge con soluciones. Una que me dió muchísima risa es cuando deciden que Wilson sea el anfitrión del programa "La rueda de la Fortuna". Al comenzar este programa Wilson da la introducción a la rueda como un "Símbolo que representa a la historia", comienza a narrar la ideología filosófica de la rueda, y en el cuarto de edición decide, el director del programa, cortar todo lo que dijo.
Wilson es una persona que se toma todo demasiado serio. Cuando conoce al dueño del local donde abre el primer antro le molesta el hecho de que se llama Toney por que suena similar a Tony, e indica que no puede haber dos Tony's trabajando bajo una empresa. Uno de sus amigos le informa, "En realidad tiene dos nombres, Don Toney", esto empeora la situación por que la palabra "Don" lo haría ver "jerárquicamente inferior".
Esta es una historia verídica y esto fortalece más a la historia. Por ejemplo: en la noche en que se abre el primer antro, Lindsay (Shirley Henderson), la esposa de Wilson lo sorprende mientras le estan haciendo sexo oral. Más adelante se venga teniendo relaciones con el cantante de la banda "Buzzcocks" en el baño. Tony los sorprende, pero solamente hace una observación, "Yo estaba teniendo sexo oral, esto es penetración!" y sale furioso del baño, pero al salir se topa con el conserje y lo saluda, la camara se detiene mientras vemos una clara imágen del conserje y la narración de Wilson nos informa que el conserje es el verdadero cantante de los "Buzzcocks". Escenas como estas se repiten (la narración nos informa que el director de "La rueda de la Fortuna" es el verdadero Tony Wilson) y yo pensé que serían escenas que iban a distraer a la audiencia de la realidad de la película, pero la hacen aún más realista.
Steve Coogan interpreta a Tony Wilson como una persona seria en su trabajo, pero mientras mas en serio tome las cosas, más risa nos da y más nos agrada este personaje. El verdadero Wilson cooperó mucho en hacer esta película, pero hizo lo posible por que la historia estuviera enfocada en Ian Curtis y Shaun Ryder, él no quería ser el protagonista. No lo es. La historia no trata de él, sino de la música que surgió en ese tiempo y no lo vemos tras los ojos de Wilson, sino de su disquera. Wilson dice durante la película, "... esta película no se trata de mí, sino de la música y la gente que la creo. Soy un personaje secundario en mi propia historia...", no es exactamente secundario, sino el narrador, el anfitrión de una fiesta divertidísima que quisieramos que durara más de 117 minutos.
El año es 1968, Tony Wilson tiene su propio programa de televisión donde muestra las bandas más experimentales del momento, tales como Iggy Pop, The Jam, Buzzcocks, entre otras. Al asistir a una tocada donde se presenta la banda "Sex Pistols", que es una de las bandas que iniciaron el punk, Wilson sale del escenario completamente inspirado y dispuesto a involucrarse más en el mundo de la música. Su primer acto es abrir un antro donde puedan tocar este tipo de bandas. La primera noche toca una banda llamada "Joy Division", la cual su cantante sufre de ataques epilépticos. Esto inspira a Wilson a realizar el segundo acto, que es abrir una disquera sin contratos... bueno, firma un papel con su propia sangre diciendo que no hay contratos. "Joy Division" es un éxito, pero el cantante se suicida antes de comenzar su gira en E.U. Es un momento muy emocional la muerte de Ian Curtis, el cantante, ya que nos muestran las escenas del funeral y como todos sus amigos lamentan su muerte y termina con un video musical de Joy Division en el cual le hacen tributo a Ian. Despés de esta trágedia el resto de los integrantes deciden seguir adelante iniciando su propia banda llamada "New Order", pero aún se quedan con la disquera de Wilson llamada "Factory Records".
Más adelante, otra banda llamada "Happy Mondays" forma parte de la disquera, pero esta banda es un desorden. Para empezar no tienen talento y en segundo lugar son adictos a la cocaína. Son impuntuales a las pruebas de audio, paran de tocar a la mitad del espectáculo, y el cantante, Shaun Ryder, siempre tiene una bebida alcohólica en la mano. Sin embargo, tienen éxito.
También nos muestra el surgimento del movimiento "rave" en Manchester, ya que habre otro antro más grande al anterior llamado "Fac-1". Se le presentan muchos problemas económicos a Wilson y durante la mayor parte de la película surge con soluciones. Una que me dió muchísima risa es cuando deciden que Wilson sea el anfitrión del programa "La rueda de la Fortuna". Al comenzar este programa Wilson da la introducción a la rueda como un "Símbolo que representa a la historia", comienza a narrar la ideología filosófica de la rueda, y en el cuarto de edición decide, el director del programa, cortar todo lo que dijo.
Wilson es una persona que se toma todo demasiado serio. Cuando conoce al dueño del local donde abre el primer antro le molesta el hecho de que se llama Toney por que suena similar a Tony, e indica que no puede haber dos Tony's trabajando bajo una empresa. Uno de sus amigos le informa, "En realidad tiene dos nombres, Don Toney", esto empeora la situación por que la palabra "Don" lo haría ver "jerárquicamente inferior".
Esta es una historia verídica y esto fortalece más a la historia. Por ejemplo: en la noche en que se abre el primer antro, Lindsay (Shirley Henderson), la esposa de Wilson lo sorprende mientras le estan haciendo sexo oral. Más adelante se venga teniendo relaciones con el cantante de la banda "Buzzcocks" en el baño. Tony los sorprende, pero solamente hace una observación, "Yo estaba teniendo sexo oral, esto es penetración!" y sale furioso del baño, pero al salir se topa con el conserje y lo saluda, la camara se detiene mientras vemos una clara imágen del conserje y la narración de Wilson nos informa que el conserje es el verdadero cantante de los "Buzzcocks". Escenas como estas se repiten (la narración nos informa que el director de "La rueda de la Fortuna" es el verdadero Tony Wilson) y yo pensé que serían escenas que iban a distraer a la audiencia de la realidad de la película, pero la hacen aún más realista.
Steve Coogan interpreta a Tony Wilson como una persona seria en su trabajo, pero mientras mas en serio tome las cosas, más risa nos da y más nos agrada este personaje. El verdadero Wilson cooperó mucho en hacer esta película, pero hizo lo posible por que la historia estuviera enfocada en Ian Curtis y Shaun Ryder, él no quería ser el protagonista. No lo es. La historia no trata de él, sino de la música que surgió en ese tiempo y no lo vemos tras los ojos de Wilson, sino de su disquera. Wilson dice durante la película, "... esta película no se trata de mí, sino de la música y la gente que la creo. Soy un personaje secundario en mi propia historia...", no es exactamente secundario, sino el narrador, el anfitrión de una fiesta divertidísima que quisieramos que durara más de 117 minutos.
When The World went away. Dir.Joseph Perez
Has visto "28 días después"(o como le pusieron en español, "exterminio")? Trata de recordar los primeros 20-25 minutos de la película y sabras todo lo que sucede en "When the world went away", un cortometraje dirigido por el director tijuanense llamado Joseph Perez.Aunque para ser justo, Perez tenía pensado hacer este proyecto antes de que saliera "28 días después", asi que no consideraría este proyecto una copia.
"When the world went away" trata de un virus que ataca a la humanidad convirtiendo a todos en vampiros, dejando el mundo desértico con solamente un ser humano vivo. Este sobreviviente se llama Neville. La película no nos muestra como surgió todo ni que fue exactamente lo que paso con el resto de la humanidad, solo nos muestra como Naville vive su vida rutinaria. Es bastante frustrante. Las tomas de la ciudad desértica son extraordinarias, especialmente una toma en que va Naville caminando por el centro de Tijuana y no hay ni un ser humano a su alrededor, es bastante difícil hacer una toma así, pero Perez lo logró.Vemos cuando va al supermercado a agarrar comida, como se asegura,durante el día, de que su casa esté protegida para cuando anochezca y los vampiros salgan de sus tumbas (o donde sea que duerman), etc.etc.
Durante el corto nos olvidamos de los vampiros y nos enfocamos en la sobrevivencia del personaje, esto es algo bastante interesante de lograr en un cortometraje, cuando viene la noche y los vampiros surgen, es la escena mas sorprendente de toda la película, ya que Perez nos interpreta que afuera de la casa de Naville hay una gran amenaza sobrenatural. No vemos a los vampiros, pero escuchamos como tratan de entrar y Naville solo observa, ya que no lo dejan dormir.
Este proyecto nos muestra todo lo mencionado de una manera muy, muy lenta. Usualmente cuando una película va muy lenta son por dos razones. 1) Al final nos va a sorprender e impactar bastante, o 2) Toda la película en general es lenta. Pero este proyecto no cumple ninguno de los dos objetivos, intenta acelerarse al final pero no lo logra, nos trata de sorprender al final pero tampoco lo logra. En 30 minutos (que es lo que dura) se pudo haber mostrado lo que mostró y hasta más, muchísimo más. Perez solamente permanece en lo mismo, tal vez por que a Perez le fascina tanto las tomas de la ciudad desértica que quiere disfrutarlas, pero nosotros no. Una escena nos muestra al personaje entrando a un cine abandonado, repentinamente se da cuenta que alguien esta detrás de él, Naville voltea y le dispara, y al disparar la escena se desvanece a otra escena completamente diferente. Era necesario la escena del cine?l
En el final quiso dar entender algo, pero nadie lo capta. Yo lo capte por que Perez me lo dijo antes de que la viera, pero si no hubiera sabido hubiera tenido dificultad en entenderlo... igual y 2 o 3 días después lo hubiera averiguado, pero este no es el tipo de proyectos que se debe demorar tanto en entender su objetivo.
Independientemente de esto, no es aburrido, pero tampoco resalta de la pantalla impactándonos de una manera inolvidable. Yo creo que mostrar como trata de sobrevivir un ser humano en un mundo desértico no debería de durar 30 minutos al menos que la historia siguiera y hubiera alguna alteración en el camino, pero no la hay. Afortunadamente estoy seguro que Perez no quiso que la hubiera, pero si esa fuera su intención debió haber acelerado el ritmo ya que 30 minutos es mucho tiempo para ver a un personaje haciendo las actividades rutinarias.
Pero algo si les aseguro, esta 1000 veces mejor que "omega Shell", el cortometraje de Aaron Soto, que trata tambien de un hombre abandonado en un desierto (de hecho es el mismo actor, Giancarlo Ruiz), aunque Aaron lo mostró de una manera breve. Si Perez lo hubiera hecho "When the..." tan breve como Aaron Hizo "Omega Shell" hubiera sido una breve experiencia, pero inolvidable.
"When the world went away" trata de un virus que ataca a la humanidad convirtiendo a todos en vampiros, dejando el mundo desértico con solamente un ser humano vivo. Este sobreviviente se llama Neville. La película no nos muestra como surgió todo ni que fue exactamente lo que paso con el resto de la humanidad, solo nos muestra como Naville vive su vida rutinaria. Es bastante frustrante. Las tomas de la ciudad desértica son extraordinarias, especialmente una toma en que va Naville caminando por el centro de Tijuana y no hay ni un ser humano a su alrededor, es bastante difícil hacer una toma así, pero Perez lo logró.Vemos cuando va al supermercado a agarrar comida, como se asegura,durante el día, de que su casa esté protegida para cuando anochezca y los vampiros salgan de sus tumbas (o donde sea que duerman), etc.etc.
Durante el corto nos olvidamos de los vampiros y nos enfocamos en la sobrevivencia del personaje, esto es algo bastante interesante de lograr en un cortometraje, cuando viene la noche y los vampiros surgen, es la escena mas sorprendente de toda la película, ya que Perez nos interpreta que afuera de la casa de Naville hay una gran amenaza sobrenatural. No vemos a los vampiros, pero escuchamos como tratan de entrar y Naville solo observa, ya que no lo dejan dormir.
Este proyecto nos muestra todo lo mencionado de una manera muy, muy lenta. Usualmente cuando una película va muy lenta son por dos razones. 1) Al final nos va a sorprender e impactar bastante, o 2) Toda la película en general es lenta. Pero este proyecto no cumple ninguno de los dos objetivos, intenta acelerarse al final pero no lo logra, nos trata de sorprender al final pero tampoco lo logra. En 30 minutos (que es lo que dura) se pudo haber mostrado lo que mostró y hasta más, muchísimo más. Perez solamente permanece en lo mismo, tal vez por que a Perez le fascina tanto las tomas de la ciudad desértica que quiere disfrutarlas, pero nosotros no. Una escena nos muestra al personaje entrando a un cine abandonado, repentinamente se da cuenta que alguien esta detrás de él, Naville voltea y le dispara, y al disparar la escena se desvanece a otra escena completamente diferente. Era necesario la escena del cine?l
En el final quiso dar entender algo, pero nadie lo capta. Yo lo capte por que Perez me lo dijo antes de que la viera, pero si no hubiera sabido hubiera tenido dificultad en entenderlo... igual y 2 o 3 días después lo hubiera averiguado, pero este no es el tipo de proyectos que se debe demorar tanto en entender su objetivo.
Independientemente de esto, no es aburrido, pero tampoco resalta de la pantalla impactándonos de una manera inolvidable. Yo creo que mostrar como trata de sobrevivir un ser humano en un mundo desértico no debería de durar 30 minutos al menos que la historia siguiera y hubiera alguna alteración en el camino, pero no la hay. Afortunadamente estoy seguro que Perez no quiso que la hubiera, pero si esa fuera su intención debió haber acelerado el ritmo ya que 30 minutos es mucho tiempo para ver a un personaje haciendo las actividades rutinarias.
Pero algo si les aseguro, esta 1000 veces mejor que "omega Shell", el cortometraje de Aaron Soto, que trata tambien de un hombre abandonado en un desierto (de hecho es el mismo actor, Giancarlo Ruiz), aunque Aaron lo mostró de una manera breve. Si Perez lo hubiera hecho "When the..." tan breve como Aaron Hizo "Omega Shell" hubiera sido una breve experiencia, pero inolvidable.
Omega Shell. Dir.Aaron Soto
"...mi cortometraje "Omega Shell" nos sigue dando sorpresas y satisfacciones despues de tanto tiempo" -Aaron Soto.
Tal vez yo no sea la persona mas adecuada para criticar proyectos Experimentales, ya que pienso que cualquiera pudiera hacer uno con la única condicion de tener imaginación visual y no de cineasta, pero aún así voy hablar sobre "Omega Shell", un proyecto dirigido por el creador de Scandalous Productions en Tijuana llamado Aaron Soto.
Hay gente que son gran admiradores de películas "raras" o "saicas". Básicamente se refieren a proyectos surrealistas, filosóficos y metafóricos. Les gusta por que te muestran prespectivas del mundo que son difícil de entender, o viceversa, te muestran mundos difíciles de entender con prespectivas de este. No importe de que manera lo muestren, pero tienen que hallar una relación con la audiencia. Quisiera que Aaron Soto hubiera tomado esto en consideración antes de grabar "Omega Shell". Este proyecto no se relaciona para nada con nosotros.
Comienza con un hombre parecido a Marilyn Manson hablando a la cámara diciendonos que él es nuestro líder y nos controla mientras vemos el proyecto, nos lo dice directamente a nosotros, la audiencia. En ese momento nos despierta el interés y la esperanza de que durante el proyecto o en el final esta escena será util.
La siguiente escena vemos a un hombre caminando por un desierto con un aparato en la mano que parece radio, y tal parece que está buscando una señal de radio. Lo que encuentra en la arena es un casette, lo agarra y se lo lleva. Llega un cuarto lleno de cables, aparatos electronicos, dos teles, y un teclado. Este hombre pone el casette y sale una mujer en la pantalla que da una imagen masoquista. El hombre se pone un aparato en el pene y comienza a (o simula) tener sexo con la mujer de la pantalla. Esta escena esta bastante interesante, perfectamente editada, y tal parece que es una manera metafórica de decirnos que los seres humanos hacemos lo posible por cumplir nuestras necesidades, en este caso sexuales. Hasta aquí va bien el proyecto.
Después vemos al hombre de nuevo por el desierto caminando, aun buscando una señal con el aparato. Es aquí cuando el interes comienza a desvanecerse. Las escenas dejan de tener sentido ya que no entendemos ni las escenas ni lo que quiere interpretar el director. Estas escenas son combinadas con escenas de cuando tuvo relaciones con la mujer, Cual es el punto de eso?
Siempre cuando llega a esta parte la película me pongo a pensar que cualquier persona que no supiera nada de cine ni nada de escribir historias, o guiones, pudo haber escrito esta "historia". Precisamente, por que no entendemos en lo absoluto, nos deja de interesar, después nos aburre, y finalmente queremos que se termine para poder ver otra cosa. No le recomendaría a nadie que viera "Omega Shell" por que muchos pensarían que fue una perdida de tiempo, y yo no quisiera ser responsable de eso.
Aun así, el proyecto esta muy bien hecho. Las tomas en el desierto son fascinantes, la iluminación y la cinematografía interesantes, y la fabricación de las locaciones (Como el cuarto donde tiene relaciones con la mujer) son impresionantes. Yo he visto más de una vez este proyecto, y es por la produccion que la veo, no por el proyecto en sí. Aaron Soto ha ganado muchos festivales con "Omega Shell", y se los merece por que sea lo que sea, es un proyecto visualmente impresionante e inolvidable. Pero la mayoría de la audiencia saldrá insatisfecha después de ver este proyecto, pero por lo menos (Viendo el primer parrafo de esta crítica) Aaron Soto se sigue recordando a sí mismo que es lo contrario.
NOTA: El Marilyn Manson nunca se vuelve a mencionar ni hace sentido lo que dice, pero por lo menos nos desperto el interés, si tan solo nos pudiera mantener interesados.
Tal vez yo no sea la persona mas adecuada para criticar proyectos Experimentales, ya que pienso que cualquiera pudiera hacer uno con la única condicion de tener imaginación visual y no de cineasta, pero aún así voy hablar sobre "Omega Shell", un proyecto dirigido por el creador de Scandalous Productions en Tijuana llamado Aaron Soto.
Hay gente que son gran admiradores de películas "raras" o "saicas". Básicamente se refieren a proyectos surrealistas, filosóficos y metafóricos. Les gusta por que te muestran prespectivas del mundo que son difícil de entender, o viceversa, te muestran mundos difíciles de entender con prespectivas de este. No importe de que manera lo muestren, pero tienen que hallar una relación con la audiencia. Quisiera que Aaron Soto hubiera tomado esto en consideración antes de grabar "Omega Shell". Este proyecto no se relaciona para nada con nosotros.
Comienza con un hombre parecido a Marilyn Manson hablando a la cámara diciendonos que él es nuestro líder y nos controla mientras vemos el proyecto, nos lo dice directamente a nosotros, la audiencia. En ese momento nos despierta el interés y la esperanza de que durante el proyecto o en el final esta escena será util.
La siguiente escena vemos a un hombre caminando por un desierto con un aparato en la mano que parece radio, y tal parece que está buscando una señal de radio. Lo que encuentra en la arena es un casette, lo agarra y se lo lleva. Llega un cuarto lleno de cables, aparatos electronicos, dos teles, y un teclado. Este hombre pone el casette y sale una mujer en la pantalla que da una imagen masoquista. El hombre se pone un aparato en el pene y comienza a (o simula) tener sexo con la mujer de la pantalla. Esta escena esta bastante interesante, perfectamente editada, y tal parece que es una manera metafórica de decirnos que los seres humanos hacemos lo posible por cumplir nuestras necesidades, en este caso sexuales. Hasta aquí va bien el proyecto.
Después vemos al hombre de nuevo por el desierto caminando, aun buscando una señal con el aparato. Es aquí cuando el interes comienza a desvanecerse. Las escenas dejan de tener sentido ya que no entendemos ni las escenas ni lo que quiere interpretar el director. Estas escenas son combinadas con escenas de cuando tuvo relaciones con la mujer, Cual es el punto de eso?
Siempre cuando llega a esta parte la película me pongo a pensar que cualquier persona que no supiera nada de cine ni nada de escribir historias, o guiones, pudo haber escrito esta "historia". Precisamente, por que no entendemos en lo absoluto, nos deja de interesar, después nos aburre, y finalmente queremos que se termine para poder ver otra cosa. No le recomendaría a nadie que viera "Omega Shell" por que muchos pensarían que fue una perdida de tiempo, y yo no quisiera ser responsable de eso.
Aun así, el proyecto esta muy bien hecho. Las tomas en el desierto son fascinantes, la iluminación y la cinematografía interesantes, y la fabricación de las locaciones (Como el cuarto donde tiene relaciones con la mujer) son impresionantes. Yo he visto más de una vez este proyecto, y es por la produccion que la veo, no por el proyecto en sí. Aaron Soto ha ganado muchos festivales con "Omega Shell", y se los merece por que sea lo que sea, es un proyecto visualmente impresionante e inolvidable. Pero la mayoría de la audiencia saldrá insatisfecha después de ver este proyecto, pero por lo menos (Viendo el primer parrafo de esta crítica) Aaron Soto se sigue recordando a sí mismo que es lo contrario.
NOTA: El Marilyn Manson nunca se vuelve a mencionar ni hace sentido lo que dice, pero por lo menos nos desperto el interés, si tan solo nos pudiera mantener interesados.
"Abrelos Ojos" o "Vanilla Sky", Cual es mejor?
Algo que me molesta que diga la gente cada vez que Hollywood adapta una película independiente en una gran producción es que digan que la versión original esta mucho mejor que la hollywoodense y no dan ningún argumento ni lo comprueban de ninguna forma, simple y sencillamente por que es Hollywood y lo comercial tiene que ser malo. Este es el peor argumento que he escuchado hasta ahorita del cine comercial.
Menciono esto por "Abre los Ojos". Este película española salió en 1997, dirigida por Alejandro Amenabar. esta película trata de un joven millonario llamado Cesar, es dueño de un restaurant, su vida es perfecta, sale a jugar tenis con su mejor amigo, tiene relaciones sexuales con una modelo llamada Nuria, sin compromisos, y al comenzar la película acaba de cumplir años. En su fiesta conoce a Sofia (interpretada por Penélope Cruz) y se enamora de ella. Pasa la noche en su casa pero sin tener relaciones. Al salir de la casa de Sofia esta Nuria esperandolo afuera en un carro, le ofrece raite, Cesar acepta. Nuria esta muy molesta por que pasó la noche de Sofia, pero se molesta tanto que inténta suicidarse al caer de un barranco apropósito, y lo logra. Ella muere y Cesar queda desfigurado. De ahí en adelante su vida se convierte en un infierno. Un día, de una manera muy repentina, encuentra solución a todos sus problemas e incluso encuentra un cirugano que le garantiza a Cesar arreglarle la cara. Pero a partir de ese mismo día, Cesar comienza a ver visiones, se le desfugira la cara de nuevo sin saber por que, todo de una manera muy confusa que Cesar no sabe si es sueño o realidad. La película esta muy tripiada, y te mantienes muy entretenido mientras tratas de resolver este misterio.
Cameron Crowe, el director de Jerry Maguire, ve esta película y le gustó bastante que decidió en adaptarla y hacer la versión Hollywoodense. Le cambia el título a "Vanilla Sky".
A pesar de que "Vanilla Sky" es la mismisima historia, con unas cuantas alteraciones, es una película muy diferente. Alejandro Amenábar se enfoca en el misterio, en el tripeo, y le dedica mayor parte del tiempo en dejarlo claro, mientras que Crowe se enfoca mas en los personajes y en sus reacciones al tripeo, no en el tripeo en sí. Por lo cual, cuando ves "Vanilla Sky" te quedas con muchas dudas y necesitas verla de nuevo. La segunda vez que la ves te queda todo muy claro, pero en "Abre los Ojos" te queda claro desde la primera vez.
Oh, pero esto no es punto negativo para "Vanilla Sky". El personaje de Cesar en "vanilla Sky" se llama David (interpretado por Tom Cruise), y es mucho más carismático y mucho más agradable que el de "Abre los Ojos", reacciona de una manera mas lógica a lo que sucede y mas razonable.
Nos relacionamos mas con la manera en que este personaje responde ante el tripeo.
La intención de Amenabar no era demostrar que Cesar se enamorara de Sofia, pero se supone que asi era. Crowe lo demuestra no solo con palabras, tan solo con ver la química entre los dos personajes cuando platican, te queda demasiado claro. En "Vanilla Sky" si se enamora, pero no es un amor típico de película, es algo mas real y vívido.
Hay una escena que debo mencionar, si no has visto ninguna de estas dos películas no leas lo siguiente, bríncate al otro párrafo. En "Abre los Ojos" Cesar comienza a tener alucinaciones, cuando ve a Sofia ve a Nubia. Llega a la casa haciendo un desastre destruyendo todo y Nubia, pensando que es algun ladrón, le pega en la nuca con una botella y Cesar cae al suelo. Cuando ve que es él se disculpa y va a la cocina por un vaso con agua. Cuando regresa, Cesar ya no ve a Nubia, sino a Sofia. Esta escena me sacó de onda y me sorprendió bastante. Sofia aparece de una manera tenebrosa y misteriosa. Al verla Cesar se levanta, la besa, y luego luego a la cama. En "Vanilla Sky" es muy diferente. Pasa básicamente lo mismo, el llega haciendo un desorden, Julie(Así se llama Nubia en esta) lo golpea, al verlo se disculpa y ofrece a traerle una toalla en vez de un vaso, y sucede lo mismo, cuando regresa ya ve a Sofia. Pero antes de que vea que es ella escucha su voz, David se levanta muy sorprendido. Cuando ve a Sofia en vez de Julie no se saca de onda, ni nosotros tampoco. Solamente se alegra bastante de verla a ella de nuevo, la abraza, la besa y a la cama. Pero cuando estan en la cama nos llega la impresión que lo hace por felicidad de que Sofia esta de vuelta y no simplemente por que el guión lo requiere. No nos importa la razón, ni como fue, ni nada cuando entra Sofia a la habitacion, y esto es un impacto muy difícil de causar en la audiencia en una escena así, pero Crowe lo logró.
Cual es mejor? Si observas bien este mail, hablé mas cosas positivas de Vanilla Sky que de Abre los Ojos, muchos dirían por que prefiero una historia de amor que una historia de un tripeo, no es así. Vanilla Sky no es una historia de amor, pero si hay amor y es una parte importante de la historia. Los personajes de Abre los Ojos reaccionan muy artificialmente, tanto que no nos sorprende lo que les sucede, sospechamos que algo así de raro les va a suceder, pero en Vanilla Sky nos cae de sorpresa. Si los personajes de Abre los Ojos fueran un poco mas humanos, me hubiera impactado más lo que les sucedió.
Valen la pena las dos películas, ambas tienen impacto diferente, pero el impacto más difícil y sorprendente es el de "Vanilla Sky".
Menciono esto por "Abre los Ojos". Este película española salió en 1997, dirigida por Alejandro Amenabar. esta película trata de un joven millonario llamado Cesar, es dueño de un restaurant, su vida es perfecta, sale a jugar tenis con su mejor amigo, tiene relaciones sexuales con una modelo llamada Nuria, sin compromisos, y al comenzar la película acaba de cumplir años. En su fiesta conoce a Sofia (interpretada por Penélope Cruz) y se enamora de ella. Pasa la noche en su casa pero sin tener relaciones. Al salir de la casa de Sofia esta Nuria esperandolo afuera en un carro, le ofrece raite, Cesar acepta. Nuria esta muy molesta por que pasó la noche de Sofia, pero se molesta tanto que inténta suicidarse al caer de un barranco apropósito, y lo logra. Ella muere y Cesar queda desfigurado. De ahí en adelante su vida se convierte en un infierno. Un día, de una manera muy repentina, encuentra solución a todos sus problemas e incluso encuentra un cirugano que le garantiza a Cesar arreglarle la cara. Pero a partir de ese mismo día, Cesar comienza a ver visiones, se le desfugira la cara de nuevo sin saber por que, todo de una manera muy confusa que Cesar no sabe si es sueño o realidad. La película esta muy tripiada, y te mantienes muy entretenido mientras tratas de resolver este misterio.
Cameron Crowe, el director de Jerry Maguire, ve esta película y le gustó bastante que decidió en adaptarla y hacer la versión Hollywoodense. Le cambia el título a "Vanilla Sky".
A pesar de que "Vanilla Sky" es la mismisima historia, con unas cuantas alteraciones, es una película muy diferente. Alejandro Amenábar se enfoca en el misterio, en el tripeo, y le dedica mayor parte del tiempo en dejarlo claro, mientras que Crowe se enfoca mas en los personajes y en sus reacciones al tripeo, no en el tripeo en sí. Por lo cual, cuando ves "Vanilla Sky" te quedas con muchas dudas y necesitas verla de nuevo. La segunda vez que la ves te queda todo muy claro, pero en "Abre los Ojos" te queda claro desde la primera vez.
Oh, pero esto no es punto negativo para "Vanilla Sky". El personaje de Cesar en "vanilla Sky" se llama David (interpretado por Tom Cruise), y es mucho más carismático y mucho más agradable que el de "Abre los Ojos", reacciona de una manera mas lógica a lo que sucede y mas razonable.
Nos relacionamos mas con la manera en que este personaje responde ante el tripeo.
La intención de Amenabar no era demostrar que Cesar se enamorara de Sofia, pero se supone que asi era. Crowe lo demuestra no solo con palabras, tan solo con ver la química entre los dos personajes cuando platican, te queda demasiado claro. En "Vanilla Sky" si se enamora, pero no es un amor típico de película, es algo mas real y vívido.
Hay una escena que debo mencionar, si no has visto ninguna de estas dos películas no leas lo siguiente, bríncate al otro párrafo. En "Abre los Ojos" Cesar comienza a tener alucinaciones, cuando ve a Sofia ve a Nubia. Llega a la casa haciendo un desastre destruyendo todo y Nubia, pensando que es algun ladrón, le pega en la nuca con una botella y Cesar cae al suelo. Cuando ve que es él se disculpa y va a la cocina por un vaso con agua. Cuando regresa, Cesar ya no ve a Nubia, sino a Sofia. Esta escena me sacó de onda y me sorprendió bastante. Sofia aparece de una manera tenebrosa y misteriosa. Al verla Cesar se levanta, la besa, y luego luego a la cama. En "Vanilla Sky" es muy diferente. Pasa básicamente lo mismo, el llega haciendo un desorden, Julie(Así se llama Nubia en esta) lo golpea, al verlo se disculpa y ofrece a traerle una toalla en vez de un vaso, y sucede lo mismo, cuando regresa ya ve a Sofia. Pero antes de que vea que es ella escucha su voz, David se levanta muy sorprendido. Cuando ve a Sofia en vez de Julie no se saca de onda, ni nosotros tampoco. Solamente se alegra bastante de verla a ella de nuevo, la abraza, la besa y a la cama. Pero cuando estan en la cama nos llega la impresión que lo hace por felicidad de que Sofia esta de vuelta y no simplemente por que el guión lo requiere. No nos importa la razón, ni como fue, ni nada cuando entra Sofia a la habitacion, y esto es un impacto muy difícil de causar en la audiencia en una escena así, pero Crowe lo logró.
Cual es mejor? Si observas bien este mail, hablé mas cosas positivas de Vanilla Sky que de Abre los Ojos, muchos dirían por que prefiero una historia de amor que una historia de un tripeo, no es así. Vanilla Sky no es una historia de amor, pero si hay amor y es una parte importante de la historia. Los personajes de Abre los Ojos reaccionan muy artificialmente, tanto que no nos sorprende lo que les sucede, sospechamos que algo así de raro les va a suceder, pero en Vanilla Sky nos cae de sorpresa. Si los personajes de Abre los Ojos fueran un poco mas humanos, me hubiera impactado más lo que les sucedió.
Valen la pena las dos películas, ambas tienen impacto diferente, pero el impacto más difícil y sorprendente es el de "Vanilla Sky".
Velvet Goldmine
David Bowie fue un cantante que no le importó valores morales y expresó libremente su talento y sus preferencias sexuales al mundo, mucha gente lo admiró y siguieron sus costumbres, especialmente al sacar el disco Ziggy Stardust. Este disco era la historia de un extraterrestre que llegó desde otro planeta (obvio) para convertirse en músico aquí en la tierra. En las giras que presentaba su nuevo disco, Bowie se introducía como Ziggy Stardust y realizaba los espectáculos más extraños e iluminados que cualquier otro artista haya hecho. Usaba ropa literalmente brillante y se ponía más maquillaje que dos mujeres juntas. En cuanto su sexualidad, asi de sencillo, lo encontraron en la cama con Mick Jagger, el vocalista de los Rolling Stones. Bowie era un verdadero libertino. "Velvet Goldmine" es una película basada en David Bowie, sus espectáculos y su sexualidad. No tanto en su música. Adapta mas o menos la vida personal y nos muestra su versión de los hechos. Al comenzar nos informa que es una historia ficticia, y lo es, pero basada en un personaje verdadero.
La historia trata de un cantante llamado Brian Slade (interpretado por Jonathan Rhys- Meyers, y representa a Bowie) que fue asesinado en uno de sus conciertos en los que lo presentaban como su personaje llamado Maxwell Demon (Ziggy Stardust). Con el tiempo, la prensa averiguó que todo fue parte del espectáculo y que Slade estaba vivo. Donde está Slade ahora? Esto se lo dejan de tarea a Arthur Stuar (Christian Bale), un periodista que fue un gran fan de Slade y ahora que cumple 10 años del supuesto asesinato quieren que lo investige. Esto no es solo una investigación para Stuart, tiene que regresar a su adolescencia y mientras la gente que investiga le cuentan su relación con Slade él recuerda lo que estaba haciendo en ese mismo tiempo.
Primero entrevista un anciano quien se identifica como el hombre que descubrió a Slade en un bar y se convirtió en su promotor. Cuando le preguntan si lo conocía vemos en un pequeño flashback a este anciano y a Slade en la cama desnudos, se ve demasiado rápido y no podemos distinguir, pero nos queda claro lo que hicieron con la mirada que le hecha Slade al promotor al verlo entre la audiencia mientras toca. Al conseguir promotor Slade estaba casado con Mandy (Toni Collette), quien era igual de liberal que él y no le importaba que su esposo se acostara con otras personas. El promotor le consigue una tocada a Brian an un evento similar a Woodstock donde le fue malísimo a Brian, lo buchearon y le gritaban que se bajara del escenario. Enfurecido iba saliendo del lugar cuando comienza a tocar una banda americana llamada los Ratz, quienes no se presentaron con ese nombre, sino con el nombre de su cantante, Curt Wild (interpretado por Ewan McGregor, y representado a Iggy Pop), quien hizo el mayor espectáculo de la noche. Varios de la audiencia le paraban el dedo, pero a diferencia de Slade, el tambien se los paraba. Peor aún, se baja los pantalones y le muestra el pene a la audiencia, el público se vuelve loco a tal grado que le avientan una bomba molotov y se prende el escenario, pero esto no detiene al espectáculo, al contrario, Wild sigue bailando, cantando y finalmente se le avienta a la audiencia. Es aquí cuando se le ocurre a Slade hacer los espectáculos más obscenos posibles. Atrae la atención de un promotor que le ofrece la fama debido a que es representate de una disquera exitosa, por lo cual Brian renuncia con el anciano y comienza el camino a la fama. Ahora, cuando renuncia con el anciano no parece como una sencilla renuncia de trabajo, parece el fin de un noviazgo.
Hasta aquí Stuart termina de colaborar el viejo promotor. No es mucha la información que consiguió, pero el promotor le aconseja que consulte con Mandy, quien se ha divorciado de Slade. Y precisamente con Mandy encuentra mucha más informacion acerca de Slade, es aquí cuando vemos sus espectáculos obscenos que lo catalogaron como el lider de la revolución sexual. Esta revolución consistía de jovenes que rechazaban a tener relaciones solamente con el sexo opuesto, era moda ser bisexual. Wild no estaba de acuerdo con esta revolución y opinaba que no hace sentido cambiarte de sexualidad por el simple hecho de ser moda. Tiene razón, pero para este entonces esta por recibir una lección.
Slade comenzó en Inglaterra y es considerado el mejor músico que haya salido de ese país desde los Beatles. Finalmente cuando consigue hacer una gira en E.U. le dan a escoger algún músico americano con quien quisiera compartir el escenario, escoge a Curt Wild. Al conocerlo, Wild esta tirado en el suelo completamente emborrachado. Wild le está yendo muy mal, pero al comenzar la gira con Slade comienza a resaltar en el mundo de la música.
Durante la gira comienza un romance entre Slade y Wild, pero es un caso muy diferente al de "Mala Educación" de Almodovar: Ellos dos sí se quieren, o si no se quieren la película nos lo mestra como si se quisieran, por lo cual nos ayuda en aceptar la relación. En "Velvet Goldmine" es muy razonable: A Slade se le ofrece en charola de plata la oportunidad para conocer a Curt, mientras que en "Mala Educación" es claro que el director crea oportunidades como estas para que sus personajes tengan relaciones sexuales.
La ex nos cuenta todo hasta en el momento en que se separó de él, y lamentablemente no sabe donde está. Pero el final de su historia choca con la de la adolescencia de Stuart y él sabe vívidamente lo que pasó después.
Un defecto que tiene la película es que no la muestra en orden cronológico y batallamos en seguir la historia. "21 Gramos" hace lo mismo, pero la ventaja que tiene esta es que es una historia sencilla y corta. Esta es una biografía y pasan años y años durante toda la película y es dificil mantener el orden en nuestras mentes. Como dije anteriormente, esta película se enfoca más en su vida personal que en su música. Si fuera la historia de David Bowie y no de Brian Slade esta sería una movida muy mala por parte del director, Todd Hayes, ya que si haces una biografía de un artísta debes de enfocarte en el talento que lo convirtió en estrella y no lo que pasaba detrás de la cortina. Pero en este caso es aceptable.
Las actuaciones son inmunes, especialmente la de Rhys-Meyers como Brian Slade. Hayes la dirige de tal manera que nos hace entender, y en muchos casos identificar, el ambiente Glam y lo expresa con belleza y elegancia. Bisexualismo era indispensable para muchos dentro de este ambiente, y raramente, tambien para la película.
La historia trata de un cantante llamado Brian Slade (interpretado por Jonathan Rhys- Meyers, y representa a Bowie) que fue asesinado en uno de sus conciertos en los que lo presentaban como su personaje llamado Maxwell Demon (Ziggy Stardust). Con el tiempo, la prensa averiguó que todo fue parte del espectáculo y que Slade estaba vivo. Donde está Slade ahora? Esto se lo dejan de tarea a Arthur Stuar (Christian Bale), un periodista que fue un gran fan de Slade y ahora que cumple 10 años del supuesto asesinato quieren que lo investige. Esto no es solo una investigación para Stuart, tiene que regresar a su adolescencia y mientras la gente que investiga le cuentan su relación con Slade él recuerda lo que estaba haciendo en ese mismo tiempo.
Primero entrevista un anciano quien se identifica como el hombre que descubrió a Slade en un bar y se convirtió en su promotor. Cuando le preguntan si lo conocía vemos en un pequeño flashback a este anciano y a Slade en la cama desnudos, se ve demasiado rápido y no podemos distinguir, pero nos queda claro lo que hicieron con la mirada que le hecha Slade al promotor al verlo entre la audiencia mientras toca. Al conseguir promotor Slade estaba casado con Mandy (Toni Collette), quien era igual de liberal que él y no le importaba que su esposo se acostara con otras personas. El promotor le consigue una tocada a Brian an un evento similar a Woodstock donde le fue malísimo a Brian, lo buchearon y le gritaban que se bajara del escenario. Enfurecido iba saliendo del lugar cuando comienza a tocar una banda americana llamada los Ratz, quienes no se presentaron con ese nombre, sino con el nombre de su cantante, Curt Wild (interpretado por Ewan McGregor, y representado a Iggy Pop), quien hizo el mayor espectáculo de la noche. Varios de la audiencia le paraban el dedo, pero a diferencia de Slade, el tambien se los paraba. Peor aún, se baja los pantalones y le muestra el pene a la audiencia, el público se vuelve loco a tal grado que le avientan una bomba molotov y se prende el escenario, pero esto no detiene al espectáculo, al contrario, Wild sigue bailando, cantando y finalmente se le avienta a la audiencia. Es aquí cuando se le ocurre a Slade hacer los espectáculos más obscenos posibles. Atrae la atención de un promotor que le ofrece la fama debido a que es representate de una disquera exitosa, por lo cual Brian renuncia con el anciano y comienza el camino a la fama. Ahora, cuando renuncia con el anciano no parece como una sencilla renuncia de trabajo, parece el fin de un noviazgo.
Hasta aquí Stuart termina de colaborar el viejo promotor. No es mucha la información que consiguió, pero el promotor le aconseja que consulte con Mandy, quien se ha divorciado de Slade. Y precisamente con Mandy encuentra mucha más informacion acerca de Slade, es aquí cuando vemos sus espectáculos obscenos que lo catalogaron como el lider de la revolución sexual. Esta revolución consistía de jovenes que rechazaban a tener relaciones solamente con el sexo opuesto, era moda ser bisexual. Wild no estaba de acuerdo con esta revolución y opinaba que no hace sentido cambiarte de sexualidad por el simple hecho de ser moda. Tiene razón, pero para este entonces esta por recibir una lección.
Slade comenzó en Inglaterra y es considerado el mejor músico que haya salido de ese país desde los Beatles. Finalmente cuando consigue hacer una gira en E.U. le dan a escoger algún músico americano con quien quisiera compartir el escenario, escoge a Curt Wild. Al conocerlo, Wild esta tirado en el suelo completamente emborrachado. Wild le está yendo muy mal, pero al comenzar la gira con Slade comienza a resaltar en el mundo de la música.
Durante la gira comienza un romance entre Slade y Wild, pero es un caso muy diferente al de "Mala Educación" de Almodovar: Ellos dos sí se quieren, o si no se quieren la película nos lo mestra como si se quisieran, por lo cual nos ayuda en aceptar la relación. En "Velvet Goldmine" es muy razonable: A Slade se le ofrece en charola de plata la oportunidad para conocer a Curt, mientras que en "Mala Educación" es claro que el director crea oportunidades como estas para que sus personajes tengan relaciones sexuales.
La ex nos cuenta todo hasta en el momento en que se separó de él, y lamentablemente no sabe donde está. Pero el final de su historia choca con la de la adolescencia de Stuart y él sabe vívidamente lo que pasó después.
Un defecto que tiene la película es que no la muestra en orden cronológico y batallamos en seguir la historia. "21 Gramos" hace lo mismo, pero la ventaja que tiene esta es que es una historia sencilla y corta. Esta es una biografía y pasan años y años durante toda la película y es dificil mantener el orden en nuestras mentes. Como dije anteriormente, esta película se enfoca más en su vida personal que en su música. Si fuera la historia de David Bowie y no de Brian Slade esta sería una movida muy mala por parte del director, Todd Hayes, ya que si haces una biografía de un artísta debes de enfocarte en el talento que lo convirtió en estrella y no lo que pasaba detrás de la cortina. Pero en este caso es aceptable.
Las actuaciones son inmunes, especialmente la de Rhys-Meyers como Brian Slade. Hayes la dirige de tal manera que nos hace entender, y en muchos casos identificar, el ambiente Glam y lo expresa con belleza y elegancia. Bisexualismo era indispensable para muchos dentro de este ambiente, y raramente, tambien para la película.
Chasing Amy
"Chasing Amy" tiene el concepto más aceptable de lo que es comedia. Hay películas que nos muestran situaciones serias de una manera cómica, y el resultado termina siendo ridículo o sin gracia. "Chasing Amy" sabe cuales situaciones deben de tratarse con carisma y cuales deben ser tratadas con seriedad.
La película comienza con dos amigos llamados Holden (Ben Affleck) y Banky (Jason Lee). Han sido amigos por muchos años y han comenzado un comic que trata de dos superheroes llamados "Bluntman y Chronic", Holden es el que dibuja y Banky es el que lo entinta. Su comic se vende muchísimo, se han convertido en celebridades,y son parte de una convención donde firman autógrafos a sus fans, aunque Banky termina ahorcando a uno de ellos por que lo acusa de que lo único que hace es calcar.
Nos introducen a dos de sus colegas: Uno es Hooper X (interpretado por Dwight Ewell e inspirado del Islámico Afro-Americano que luchó por los derechos de los negros llamado "Malcolm X"), amigo de Banky y Holden que está estrenando su comic y con él pretende obtener el respeto (como Malcolm X) que merecen los negros ya que opina que han sido discriminados en el género de ciencia ficción por mucho tiempo.
Durante la exposición de su comic comenta que la triología de "Star Wars" es una de las sagas mas racistas que han existido. No se si has visto esta triología, pero Darth Vader es el villano que esta vestido completamente de negro y tiene puesta una máscara negra. Al brode de la muerte, Vader le pide a su hijo que le quite la máscara. Se la quita y vemos que es un hombre blanco. Hooper se ofende muchísimo, "La hermosa imagen negra de Vader queda arruinada cuando le quitan la máscara y vemos que es un ruco blanco. Básicamente lo que están insinuando es que muy dentro de nosotros queremos ser blancos". Banky se levanta entre la audiencia y le pregunta, "Que no que es cierto?". Hooper enfurece, saca una pistola y le dispara a Banky. Toda la gente sale corriendo, pero al vaciarse el lugar vemos que todo era un show planeado por Hooper, Banky se levanta y nos revelan que Hooper en realidad es homosexual.
La otra colega es Alyssa Jones (Joey Lauren Adams), quien hace comics de romance. Atrae la atención de Holden desde el principio, pero no es hasta que van a un bar donde después de tener una larga plática con ella admite que le gusta.
Al día después de conocerla Hooper le llama a Holden invitándolo a un bar donde estará presente Alyssa, y mejor aún , ella le mandó la invitación. Holden se ilusiona y llega al bar con una sonrisota en la cara, se le acerca a Alyssa, comienzan a platicar y descubren que en la preparatoria vivían muy cerca y sin embargo nunca se conocieron, "Vivíamos a dos ciudades de distancia y nos tuvimos que conocer en Nueva York", le dice Holden, y Alyssa le contesta, "Pudo haber sido peor, no nos pudimos haber conocido". Todo va muy bien para Holden, hasta que se entera de la verdad: Alyssa es lesbiana! Lo peor de todo es que no lo averiguó por que Alyssa o alguien más se lo haya dicho, sino vió como Alyssa apasionadamente se besaba con otra muchacha del club. Holden se desiluciona bastante y decide olvidar a Alyssa.
Días después Alyssa va a casa de Holden a disculparse por hacerlo sentir incómodo y que cualquier duda al respecto se lo puede preguntar. Holden le hace preguntas que cualquiera le hiciera a una lesbiana y sería un alivio que cualquier lesbiana te ofreciera la confianza que Alyssa le ofrece a Holden para sacarse de dudas, lo digo por que una conocida mía que veo muy seguido es lesbiana, y cuando la veo me vienen muchas dudas acerca de su sexualidad, pero me las reservo por que no me ha dado permiso de cuestionarle. Holden toma ventaja de esta oportunidad para averiguar todo lo que quiere saber. En vez de separarlos esto los une más y se hacen buenos amigos, pero en realidad Holden se está enamorando de ella poco a poco.
Surgen muchísimos conflictos incluyendo el hecho de que Banky cela demasiado a Holden, lo cual es normal que te celen tus mejores amigos cuando haces un nuevo amigo o amiga, pero Banky se va a los extremos a tal grado que trata de romper la relación entre Holden y Alyssa. Mientras esto sucede comenzamos a preguntar, acaso Banky esta enamorado de Holden?
La conclusion nos sorprende bastante. De vez en cuando hay películas que se complican más y más con el objetivo de mantenernos despiertos, pero al momento de concluir se van por el camino seguro y nos dan una solución que a cualquiera se le hubiera ocurrido con tal de darnos un final feliz. Kevin Smith, el director de "Chasing Amy", no esta interesado en darnos un final feliz. Nos da la conclusión más original y lógica que puede haber, y sin embargo nos sorprende por que nos confiamos del hecho de que estamos viendo una película y se encontrará una solución para satisfacernos. Smith es realista y nos muestra una historia realista de principio a fin con un trama serio rodeado de escenas, comentarios y personajes cómicos.
La película comienza con dos amigos llamados Holden (Ben Affleck) y Banky (Jason Lee). Han sido amigos por muchos años y han comenzado un comic que trata de dos superheroes llamados "Bluntman y Chronic", Holden es el que dibuja y Banky es el que lo entinta. Su comic se vende muchísimo, se han convertido en celebridades,y son parte de una convención donde firman autógrafos a sus fans, aunque Banky termina ahorcando a uno de ellos por que lo acusa de que lo único que hace es calcar.
Nos introducen a dos de sus colegas: Uno es Hooper X (interpretado por Dwight Ewell e inspirado del Islámico Afro-Americano que luchó por los derechos de los negros llamado "Malcolm X"), amigo de Banky y Holden que está estrenando su comic y con él pretende obtener el respeto (como Malcolm X) que merecen los negros ya que opina que han sido discriminados en el género de ciencia ficción por mucho tiempo.
Durante la exposición de su comic comenta que la triología de "Star Wars" es una de las sagas mas racistas que han existido. No se si has visto esta triología, pero Darth Vader es el villano que esta vestido completamente de negro y tiene puesta una máscara negra. Al brode de la muerte, Vader le pide a su hijo que le quite la máscara. Se la quita y vemos que es un hombre blanco. Hooper se ofende muchísimo, "La hermosa imagen negra de Vader queda arruinada cuando le quitan la máscara y vemos que es un ruco blanco. Básicamente lo que están insinuando es que muy dentro de nosotros queremos ser blancos". Banky se levanta entre la audiencia y le pregunta, "Que no que es cierto?". Hooper enfurece, saca una pistola y le dispara a Banky. Toda la gente sale corriendo, pero al vaciarse el lugar vemos que todo era un show planeado por Hooper, Banky se levanta y nos revelan que Hooper en realidad es homosexual.
La otra colega es Alyssa Jones (Joey Lauren Adams), quien hace comics de romance. Atrae la atención de Holden desde el principio, pero no es hasta que van a un bar donde después de tener una larga plática con ella admite que le gusta.
Al día después de conocerla Hooper le llama a Holden invitándolo a un bar donde estará presente Alyssa, y mejor aún , ella le mandó la invitación. Holden se ilusiona y llega al bar con una sonrisota en la cara, se le acerca a Alyssa, comienzan a platicar y descubren que en la preparatoria vivían muy cerca y sin embargo nunca se conocieron, "Vivíamos a dos ciudades de distancia y nos tuvimos que conocer en Nueva York", le dice Holden, y Alyssa le contesta, "Pudo haber sido peor, no nos pudimos haber conocido". Todo va muy bien para Holden, hasta que se entera de la verdad: Alyssa es lesbiana! Lo peor de todo es que no lo averiguó por que Alyssa o alguien más se lo haya dicho, sino vió como Alyssa apasionadamente se besaba con otra muchacha del club. Holden se desiluciona bastante y decide olvidar a Alyssa.
Días después Alyssa va a casa de Holden a disculparse por hacerlo sentir incómodo y que cualquier duda al respecto se lo puede preguntar. Holden le hace preguntas que cualquiera le hiciera a una lesbiana y sería un alivio que cualquier lesbiana te ofreciera la confianza que Alyssa le ofrece a Holden para sacarse de dudas, lo digo por que una conocida mía que veo muy seguido es lesbiana, y cuando la veo me vienen muchas dudas acerca de su sexualidad, pero me las reservo por que no me ha dado permiso de cuestionarle. Holden toma ventaja de esta oportunidad para averiguar todo lo que quiere saber. En vez de separarlos esto los une más y se hacen buenos amigos, pero en realidad Holden se está enamorando de ella poco a poco.
Surgen muchísimos conflictos incluyendo el hecho de que Banky cela demasiado a Holden, lo cual es normal que te celen tus mejores amigos cuando haces un nuevo amigo o amiga, pero Banky se va a los extremos a tal grado que trata de romper la relación entre Holden y Alyssa. Mientras esto sucede comenzamos a preguntar, acaso Banky esta enamorado de Holden?
La conclusion nos sorprende bastante. De vez en cuando hay películas que se complican más y más con el objetivo de mantenernos despiertos, pero al momento de concluir se van por el camino seguro y nos dan una solución que a cualquiera se le hubiera ocurrido con tal de darnos un final feliz. Kevin Smith, el director de "Chasing Amy", no esta interesado en darnos un final feliz. Nos da la conclusión más original y lógica que puede haber, y sin embargo nos sorprende por que nos confiamos del hecho de que estamos viendo una película y se encontrará una solución para satisfacernos. Smith es realista y nos muestra una historia realista de principio a fin con un trama serio rodeado de escenas, comentarios y personajes cómicos.
8 Mile
Antes de que saliera al cine la mayoría de la gente pensaba que "8 Mile" trataba de la vida de Eminem. No se si lo es, pero es muy probable que esté basado en un fin de semana cuando Eminem aún no era famoso. La película comienza en un viernes y termina en el viernes de la semana después, y para ese entonces no cambia mucho la vida del personaje interpretado por Eminem. Cuando comienza trabaja en una maquiladora y cuando termina aún tiene que trabajar en la maquiladora. Debo admitir, me decepcionó mucho la primera vez que la ví. Yo pensé que era la vida de Eminem, iba a llegar a la fama, y nos mostraría como se inspiraba para escribir sus canciones, especialmente quería ver como fue que escribió una de mis favoritas, llamada "Without me". Esperé mientras la veía, pero nunca llegó ese momento. Me decepcioné muchísimo, a pesar de que admiré la actuación de Eminem y la dirección de Curtis Hanson. Días después, fui a la casa de mi vecino y la volví a ver. Sabiendo de que trataba y sabiendo que nunca llegaría a la fama el personaje, disfruté muchísimo más la película. La primera vez que la ví me distrajo tanto estar esperando a que llegara a la fama que no pude apreciar lo que sucedía en la película. Esta vez me relajé y disfruté la experiencia cinematográfica.
Jimmy "Rabbit" Smith, Jr. (Eminem) es un hombre blanco en una vecindad de negros, trabaja en una maquiladora, acaba de terminar con su novia con la que vivía, y tuvo que regresar al trailer donde vive su mamá (Kim Basinger), su novio y su hermanita llamada Lilly. Cuando comienza la película, Jimmy esta en un concurso de rap donde dos raperos se suben al escenario, se insultan el uno al otro rapeando, y el que lo haga mejor gana. Jimmy participa, pero al seguir su turno se queda parado en el escenario sin decir nada, lo comienzan a buchear hasta que se da por vencido y se baja del escenario. El anfitrión del evento, Future (Mekhi Phifer), le tiene inmenso respeto y admiración, lo trata de animar diciéndole que tiene talento y no debería de desperdiciarlo. Otra persona que tambien lo admira es Alex (Brittany Murphy), una muchacha blanca con la que inicia una relación no-oficial, y esto trae problemas después.
Debido a que es una vecinad negra, la película muestra lo que normalmente esperas ver en una película de negros, pero no se enfoca en mostrar el clásico estereotipo de ellos. No los muestra como víctimas del racismo o de la sociedad ni nada de eso, los muestran simplemente como un grupo de jovenes que anhelan con llegar a la fama y hacen todo lo posible. Tal parece que la única razón por la que muestran a los negros así es por que el protagonista es blanco, para ser mas preciso son tres negros los amigos de Jimmy, y todos dependen de él . Mencionan que quieren llegar a la fama, pero la manera en la que pretenden llegar es por medio él, ya que es él quien tiene el talento. Cuando Jimmy suba, ellos subiran con él. Esto parece racismo, pero estos amigos en realidad les importa el bienestar de Jimmy, son fieles a él y admiten que ellos no tienen talento y Jimmy sí, se le pegan no por supervivencia, sino por estar al lado de su amigo cuando llege a la fama. Lo apoyan en todo momento, hasta en una escena en la que Jimmy ve a la pandilla llamada Freeworld con la que compiten mayor parte del tiempo en los concursos de rap, y los ataca por haberlo insultado la noche anterior. Ellos no hacen ninguna pregunta, solamente atacan al lado de su amigo.
No se si Eminem sea un buen actor, en ésta película actuó muy bien, pero no es algo sorprendente. Si tienes una idea de como actuar, y alguien escribe una historia basándose en algo que te sucedió y te pide que tu seas ese personaje, claro que te vas a identificar y la actuación te saldra naturalmente. Pero el guión tambien le ofrece muchas escenas donde no habla, sino solamente piensa. Estas escenas son las que no le saldría bien a cualquiera, y Eminem las hizo muy bien. Eminem le es fiel a su personaje y en ningun momento hace cosas en contra de él.
No cambia mucho la historia al final, es un final feliz, Jimmy termina siendo reconocido, pero no especifica si llega a ser famoso o no, y si no lo fue entonces no sería un final feliz, ya que llegar a la fama es el objetivo de Jimmy durante toda la película. Al final nos damos cuenta que la película no tiene trama, solo nos muestra una semana en la vida de un joven talentoso con grandes esperanzas de llegar a ser alguien en la vida, enfrenta obstáculos que se lo impiden y los supera. Sorprendentemente, no es solo una película para atraer a fans de Eminem y hacer millones con ella, es una verdadera película con verdaderos personajes y verdaderos conflictos
Jimmy "Rabbit" Smith, Jr. (Eminem) es un hombre blanco en una vecindad de negros, trabaja en una maquiladora, acaba de terminar con su novia con la que vivía, y tuvo que regresar al trailer donde vive su mamá (Kim Basinger), su novio y su hermanita llamada Lilly. Cuando comienza la película, Jimmy esta en un concurso de rap donde dos raperos se suben al escenario, se insultan el uno al otro rapeando, y el que lo haga mejor gana. Jimmy participa, pero al seguir su turno se queda parado en el escenario sin decir nada, lo comienzan a buchear hasta que se da por vencido y se baja del escenario. El anfitrión del evento, Future (Mekhi Phifer), le tiene inmenso respeto y admiración, lo trata de animar diciéndole que tiene talento y no debería de desperdiciarlo. Otra persona que tambien lo admira es Alex (Brittany Murphy), una muchacha blanca con la que inicia una relación no-oficial, y esto trae problemas después.
Debido a que es una vecinad negra, la película muestra lo que normalmente esperas ver en una película de negros, pero no se enfoca en mostrar el clásico estereotipo de ellos. No los muestra como víctimas del racismo o de la sociedad ni nada de eso, los muestran simplemente como un grupo de jovenes que anhelan con llegar a la fama y hacen todo lo posible. Tal parece que la única razón por la que muestran a los negros así es por que el protagonista es blanco, para ser mas preciso son tres negros los amigos de Jimmy, y todos dependen de él . Mencionan que quieren llegar a la fama, pero la manera en la que pretenden llegar es por medio él, ya que es él quien tiene el talento. Cuando Jimmy suba, ellos subiran con él. Esto parece racismo, pero estos amigos en realidad les importa el bienestar de Jimmy, son fieles a él y admiten que ellos no tienen talento y Jimmy sí, se le pegan no por supervivencia, sino por estar al lado de su amigo cuando llege a la fama. Lo apoyan en todo momento, hasta en una escena en la que Jimmy ve a la pandilla llamada Freeworld con la que compiten mayor parte del tiempo en los concursos de rap, y los ataca por haberlo insultado la noche anterior. Ellos no hacen ninguna pregunta, solamente atacan al lado de su amigo.
No se si Eminem sea un buen actor, en ésta película actuó muy bien, pero no es algo sorprendente. Si tienes una idea de como actuar, y alguien escribe una historia basándose en algo que te sucedió y te pide que tu seas ese personaje, claro que te vas a identificar y la actuación te saldra naturalmente. Pero el guión tambien le ofrece muchas escenas donde no habla, sino solamente piensa. Estas escenas son las que no le saldría bien a cualquiera, y Eminem las hizo muy bien. Eminem le es fiel a su personaje y en ningun momento hace cosas en contra de él.
No cambia mucho la historia al final, es un final feliz, Jimmy termina siendo reconocido, pero no especifica si llega a ser famoso o no, y si no lo fue entonces no sería un final feliz, ya que llegar a la fama es el objetivo de Jimmy durante toda la película. Al final nos damos cuenta que la película no tiene trama, solo nos muestra una semana en la vida de un joven talentoso con grandes esperanzas de llegar a ser alguien en la vida, enfrenta obstáculos que se lo impiden y los supera. Sorprendentemente, no es solo una película para atraer a fans de Eminem y hacer millones con ella, es una verdadera película con verdaderos personajes y verdaderos conflictos
Erase una vez en Mexico
Robert Rodriguez se hizo legendario no tanto por su primer película llamada "El Mariachi", sino por el hecho que donó sangre por un monto de $7000 dlls.para hacerla. En 1994, con el apoyo de Miramax hizo la secuela llamada "Desperado". Todo mundo la vió, se hizo famosísima y puso a Salma Hayek en el mapa artístico. En el 2003 finalmente llegó "Erase una vez en México", la tercera parte.
"Desperado" fue una película visualmente extraordinaria. No solo por la iluminación ni por la cinematografía, sino por las tomas y por la edición. Ambos aspectos fueron construidos con una vivida intensidad que no me importaba lo absurdo que eran las escenas. Son absurdas, por que sucedían cosas imposibles, tales como un villano que le dispara multiples veces al protagonista y no le da, el protagonista a la primera voltéa, le dispara y le da en la cabeza. Innecesarias escenas de acción tras innecesarias escenas de acción, era absurdo, pero hecho con estilo.
Pensé que en "Erase..." iba hacer alguna excepción y ya iba a mostrar una historia coherente, pero no fue así. De nuevo vemos innecesarias escenas de acción tras innecesarias escenas de acción, cada una de ellas siendo absurdas, pero de nuevo hechas con estilo.
Barrillo (Willem Dafoe), el líder del cartel de Culiacán tiene planeado asesinar al Presidente de México (Pedro Armendariz) debido a que el Presidente esta utilizando todo su poder para deshacerse del cartel. Barrillo contrata a un general militar llamado Marquez para que sea él quien ataque al Presidente y se le pagará 20 millones de pesos por sus servicios. Sin explicar como, un agente del CIA llamado Sans (Johnny Depp) se entera de todo esto y decide intervenir. Su plan: Deshacerse de Barrillo y Marquez, y quedarse con el dinero.
Para deshacerse de Barrillo consulta con varia gente que estan dispuestos a ayudarle, incluyendo una agente del AFI llamada Ajedrez (Eva Mendes), y un ex-agente del FBI llamado Jorge Ramirez (Ruben Blades) quien acepta la misión para vengar la muerte de su compañero que murió en manos de Barrillo. Para deshacerse de Marquez, contrata a el Mariachi (Antonio Banderas) quien, al igual que el ex-agente del FBI, acepta la misión para vengar la muerte de su esposa (Salma Hayek) y de su hija.
Les estoy explicando la historia mucho más sencillo que como lo cuenta la misma película, esta bastante confusa y enredosa. Hay momentos en los que no sabía por que querían matar al Mariachi o de donde salían tantos enemigos, pero todo se remediaba con el grandioso estilo en que Rodriguez nos muestra estas escenas de acción. Pero la película tiene algo mucho mas impresionante que el estilo: Johnny Depp.
Supuestamente el protagonista de la película es el Mariachi, pero nos deprimen sus escenas, siendo o no siendo de acción, debido a que siempre esta deprimido por su pérdida, pero Sans siempre es carismático hasta en momentos que está al borde de la muerte. En una escena, después de haber sido torturado, Sans sale a la calle completamente drogado (lo drogaron para que no sintiera dolor mientras lo torturaban) repitiendo frecuentemente "Mi nombre es Jeffrey Sans, soy agente del Center Intelligence Agency (CIA)!" , y al final dice, "I'm living la Vida Loca!". Es un personaje muy interesante, más interesante aún es que Depp lo interpreta como un personaje que trata de esconder su inseguridad mostrando una gran personalidad, y me gustaría que Rodriguez haga una película solamente de él y que no involucre a tantos personajes ni tanto trama. Sin embargo el Mariachi es un ícono protogénico de acción con mucha energía e intensidad y sus escenas son las de mayor adrenalina.
Sí, las escenas de acción son increibles. Sí, nos perdemos en la historia. Sí, los personajes solo están a la disposición del guión. Sí, el guión está a disposición de la acción. Y sí, las escenas de acción son la escencia de la película. Pero Rodriguez nos muestra el objetivo de los personajes de una manera muy profunda sin necesidad de mostrar sus antecedentes, y me pongo a pensar que si sacaran diferentes películas, cada una enfocada en cada uno de los personajes, fueran buenas películas ya que son buenos personajes y creiblemente interpretados. Las locaciones y la iluminación son hechas tradicionalmente Mexicanas. No es una muy buena película, pero está muy bien hecha. Rodriguez usó los mejores visuales que se pueden usar en una película como esta. Ahora nomás que aprenda a escribir buenos guiones y tendrá en sus manos una obra de arte.
"Desperado" fue una película visualmente extraordinaria. No solo por la iluminación ni por la cinematografía, sino por las tomas y por la edición. Ambos aspectos fueron construidos con una vivida intensidad que no me importaba lo absurdo que eran las escenas. Son absurdas, por que sucedían cosas imposibles, tales como un villano que le dispara multiples veces al protagonista y no le da, el protagonista a la primera voltéa, le dispara y le da en la cabeza. Innecesarias escenas de acción tras innecesarias escenas de acción, era absurdo, pero hecho con estilo.
Pensé que en "Erase..." iba hacer alguna excepción y ya iba a mostrar una historia coherente, pero no fue así. De nuevo vemos innecesarias escenas de acción tras innecesarias escenas de acción, cada una de ellas siendo absurdas, pero de nuevo hechas con estilo.
Barrillo (Willem Dafoe), el líder del cartel de Culiacán tiene planeado asesinar al Presidente de México (Pedro Armendariz) debido a que el Presidente esta utilizando todo su poder para deshacerse del cartel. Barrillo contrata a un general militar llamado Marquez para que sea él quien ataque al Presidente y se le pagará 20 millones de pesos por sus servicios. Sin explicar como, un agente del CIA llamado Sans (Johnny Depp) se entera de todo esto y decide intervenir. Su plan: Deshacerse de Barrillo y Marquez, y quedarse con el dinero.
Para deshacerse de Barrillo consulta con varia gente que estan dispuestos a ayudarle, incluyendo una agente del AFI llamada Ajedrez (Eva Mendes), y un ex-agente del FBI llamado Jorge Ramirez (Ruben Blades) quien acepta la misión para vengar la muerte de su compañero que murió en manos de Barrillo. Para deshacerse de Marquez, contrata a el Mariachi (Antonio Banderas) quien, al igual que el ex-agente del FBI, acepta la misión para vengar la muerte de su esposa (Salma Hayek) y de su hija.
Les estoy explicando la historia mucho más sencillo que como lo cuenta la misma película, esta bastante confusa y enredosa. Hay momentos en los que no sabía por que querían matar al Mariachi o de donde salían tantos enemigos, pero todo se remediaba con el grandioso estilo en que Rodriguez nos muestra estas escenas de acción. Pero la película tiene algo mucho mas impresionante que el estilo: Johnny Depp.
Supuestamente el protagonista de la película es el Mariachi, pero nos deprimen sus escenas, siendo o no siendo de acción, debido a que siempre esta deprimido por su pérdida, pero Sans siempre es carismático hasta en momentos que está al borde de la muerte. En una escena, después de haber sido torturado, Sans sale a la calle completamente drogado (lo drogaron para que no sintiera dolor mientras lo torturaban) repitiendo frecuentemente "Mi nombre es Jeffrey Sans, soy agente del Center Intelligence Agency (CIA)!" , y al final dice, "I'm living la Vida Loca!". Es un personaje muy interesante, más interesante aún es que Depp lo interpreta como un personaje que trata de esconder su inseguridad mostrando una gran personalidad, y me gustaría que Rodriguez haga una película solamente de él y que no involucre a tantos personajes ni tanto trama. Sin embargo el Mariachi es un ícono protogénico de acción con mucha energía e intensidad y sus escenas son las de mayor adrenalina.
Sí, las escenas de acción son increibles. Sí, nos perdemos en la historia. Sí, los personajes solo están a la disposición del guión. Sí, el guión está a disposición de la acción. Y sí, las escenas de acción son la escencia de la película. Pero Rodriguez nos muestra el objetivo de los personajes de una manera muy profunda sin necesidad de mostrar sus antecedentes, y me pongo a pensar que si sacaran diferentes películas, cada una enfocada en cada uno de los personajes, fueran buenas películas ya que son buenos personajes y creiblemente interpretados. Las locaciones y la iluminación son hechas tradicionalmente Mexicanas. No es una muy buena película, pero está muy bien hecha. Rodriguez usó los mejores visuales que se pueden usar en una película como esta. Ahora nomás que aprenda a escribir buenos guiones y tendrá en sus manos una obra de arte.
Eterno Resplandor
"Eterno Resplandor" es un claro ejemplo de que se puede hacer una película con escenas muy extrañas, y que sin embargo hagan sentido. Aunque "hagan sentido" no describe por completo las escenas, ya que nos involucra tanto en el subconciente.... saben? estoy empezando mal, si sigo los voy a confundir, mejor comenzaré por la historia.
La película trata de Joel (Jim Carrey en una actuación dramática en vez de cómica) un joven que después de 2 años de noviazgo termina con su pareja, Clementine (Kate Winslet, la actriz de Titanic). Cuando él quiere reconciliarse con ella la visita a sutrabajo en la librería, pero ella actúa, tal parece, como si no lo conociera. Peor aún, esta con otro hombre. Joel se siente traicionado, pero después se entera que Clementine fué a una compañía llamada "Lacuna" donde, literalmente, borrarron a Joel de su memoria. Así que Clementine no lo recuerda a él ni a su relación.
Joel vá a Lacuna a borrar a Clementine de sú mente por venganza, tal parece. En malas manos (cinematográficamente hablando), el procedimiento para borrar a alguien de la memoria de otra persona hubiera resultado en una excusa absurda para hacer una película hacerca de esto, pero en "Eterno Resplandor" lo toman muy serio, muy razonable y mientras vemos a los doctores haciendo este procedimiento parace que estamos viendo un verdadero procedimiento médico. Irónicamente, el presidente de Lacuna llamado Mierzwiak (Tom Wilkinson) nos informa que el procedimiento daña el cerebro de la misma manera que nos daña una cruda.Me pregunto si el guionista, Charlie Kauffman, en realidad consultó con doctores al escribir este guión?
Mientras le borran la memoria de Clementine nos encontramos dentro del cerebro de Joel. Vemos sus momentos con Clementine y vemos como se borran poco a poco. El climax cambia cuando Joel recuerda un día en que él y Clementine estaban acostados en la cama, no estaban teniendo relaciones sino solo platicando tiernamente. Escuchamos que Joel suplica "Mierzwiak, por favor, dejame este recuerdo". De aquí en adelante Joel se arrepiente y quiere abortar el procedimiento. Su cerebro comienza a resistir y comienza a buscar maneras de quedarse con los recuerdos de Clementine. Una de las maneras para quedarse con las memorias es recordar escenas de su juventud teniendo a Clementine en la mente y substituir a personas del pasado con ella. Suena extraño, vrdd? Pero creanme, sera un poco más claro cuando la estén viendo. No les diré si logra guardar las memorias de Clementine o no, pero sí les diré que hay un momento muy conmovedor.
Precisamente ayer me comentaron un anécdota relevante a esta película. Una pareja decidieron en sacar las fotos de su exnovios/exnovias y romperlas alfrente de ellos mismos. Pero en el proceso, Uno de ellos (creo que fue la mujer) decidió quedarse con algunas de las fotos. Simplemente con una de estas fotos recordaría toda la relación. No es fácil olvidar y mas dificil aún es querer olvidar por que en toda relación existen buenos momentos, y los malos nos preparan para conflictos que nos sucedan más adelante en nuestra vida. Es por esto que se resiste Joel, no tanto por que la siga amando, aunque aún la ama.
La película califica como película experimental, comedia, drama , polémica, o surrealista, y mantiene su distancia entre estos géneros siéndole fiel a cada uno de ellos. Cada uno es dependiente del otro, lo cual es interesante por que son muy diferentes. Por esto, "Eterno Resplandor" favorece a los variados gustos de la audiencia.
Aparte, la película tambien nos demuestra la verdadera necesidad de efectos visuales, a diferencia de "Matando Cabos", esta historia los requiere y en veces se llegan a usar demasiado, pero nunca vemos el exceso ya que la película verdaderamente los requiere.
Esta película sobresale en todos los aspectos, y esto la convierte en una película visual y emocionalmente inolvidable.
La película trata de Joel (Jim Carrey en una actuación dramática en vez de cómica) un joven que después de 2 años de noviazgo termina con su pareja, Clementine (Kate Winslet, la actriz de Titanic). Cuando él quiere reconciliarse con ella la visita a sutrabajo en la librería, pero ella actúa, tal parece, como si no lo conociera. Peor aún, esta con otro hombre. Joel se siente traicionado, pero después se entera que Clementine fué a una compañía llamada "Lacuna" donde, literalmente, borrarron a Joel de su memoria. Así que Clementine no lo recuerda a él ni a su relación.
Joel vá a Lacuna a borrar a Clementine de sú mente por venganza, tal parece. En malas manos (cinematográficamente hablando), el procedimiento para borrar a alguien de la memoria de otra persona hubiera resultado en una excusa absurda para hacer una película hacerca de esto, pero en "Eterno Resplandor" lo toman muy serio, muy razonable y mientras vemos a los doctores haciendo este procedimiento parace que estamos viendo un verdadero procedimiento médico. Irónicamente, el presidente de Lacuna llamado Mierzwiak (Tom Wilkinson) nos informa que el procedimiento daña el cerebro de la misma manera que nos daña una cruda.Me pregunto si el guionista, Charlie Kauffman, en realidad consultó con doctores al escribir este guión?
Mientras le borran la memoria de Clementine nos encontramos dentro del cerebro de Joel. Vemos sus momentos con Clementine y vemos como se borran poco a poco. El climax cambia cuando Joel recuerda un día en que él y Clementine estaban acostados en la cama, no estaban teniendo relaciones sino solo platicando tiernamente. Escuchamos que Joel suplica "Mierzwiak, por favor, dejame este recuerdo". De aquí en adelante Joel se arrepiente y quiere abortar el procedimiento. Su cerebro comienza a resistir y comienza a buscar maneras de quedarse con los recuerdos de Clementine. Una de las maneras para quedarse con las memorias es recordar escenas de su juventud teniendo a Clementine en la mente y substituir a personas del pasado con ella. Suena extraño, vrdd? Pero creanme, sera un poco más claro cuando la estén viendo. No les diré si logra guardar las memorias de Clementine o no, pero sí les diré que hay un momento muy conmovedor.
Precisamente ayer me comentaron un anécdota relevante a esta película. Una pareja decidieron en sacar las fotos de su exnovios/exnovias y romperlas alfrente de ellos mismos. Pero en el proceso, Uno de ellos (creo que fue la mujer) decidió quedarse con algunas de las fotos. Simplemente con una de estas fotos recordaría toda la relación. No es fácil olvidar y mas dificil aún es querer olvidar por que en toda relación existen buenos momentos, y los malos nos preparan para conflictos que nos sucedan más adelante en nuestra vida. Es por esto que se resiste Joel, no tanto por que la siga amando, aunque aún la ama.
La película califica como película experimental, comedia, drama , polémica, o surrealista, y mantiene su distancia entre estos géneros siéndole fiel a cada uno de ellos. Cada uno es dependiente del otro, lo cual es interesante por que son muy diferentes. Por esto, "Eterno Resplandor" favorece a los variados gustos de la audiencia.
Aparte, la película tambien nos demuestra la verdadera necesidad de efectos visuales, a diferencia de "Matando Cabos", esta historia los requiere y en veces se llegan a usar demasiado, pero nunca vemos el exceso ya que la película verdaderamente los requiere.
Esta película sobresale en todos los aspectos, y esto la convierte en una película visual y emocionalmente inolvidable.
Moulin Rogue
Las películas musicales surgieron para hacernos olvidar de la terribleguerra que se estaba llevando a cabo a su tiempo, el género es consideradocomo "escapatism". La guerra terminó, el tiempo pasó, y los musicales poco apoco dejaron de llamar la atención ya que se considera como algo muymonótono y repetitivo, pero nunca se ha hecho un musical como "MoulinRouge". El director, Baz Luhrmann, se enfoca en llamar la atención dejovenes, lo cual es algo muy dificil con este género. Con algunos lo logró,con otros no, pero independientemente de eso la película es una grandiosaexperiencia visual y musical contandonos una historia que se lleva a caboen el año 1900 pero nos lo muestra como una demostración de aquellostiempos. Lo más fascinante son las canciones. Son puras canciones modernastales como: "Like a Virgin" de Maddona, "Your Song" de Elton John, "SmellsLike Teen Spirit" de Nirvana, "Roxanne" de Sting, y por supuesto "LadyMarmalade" de Pink, Mya, Li'l Kim y Christina Aguilera. Las adaptan adiferentes géneros, como a "Roxanne", por ejemplo, la interpretan comotango. La primera escena es fascinante. Vemos una hermosa imagen granientadesde el cielo de París en blanco y negro como si fuera grabado en aquellostiempos. Después la camara baja a las calles y camina por ellas hasta subiral segundo piso de un edificio y entrar por la ventana del cuarto de unjoven que esta tirado en el suelo. Trata de recordar desde donde comenzó latoma y observa donde terminó. El joven es Christian (Ewan McGregor) quienestá completamente deprimido por la muerte de Satine (Nicole Kidman) laestrella del espectáculo en el Moulin Rogue con quién tuvo una relaciónamorosa. Christian es un escritor, y comienza a escribir la historia decuando conoció a Satine. El llegó a Paris en 1989, un año atrás,precisamente a escribir. Justo en el piso de arriba de donde se hospedabavivía Toulouse-Lautrec (John Leguizamo) un enano obsesionado, junto conotros tres artístas, con exponer una obra de teatro en el Molin Rogue.Tolouse queda endiosado con el talento de Christian como escritor cuandoéste les da una idea de como terminar una escena, y al final del díaChristian se asocia con ellos y entran en un trato: Los 5 irán al MoulinRouge y le conseguirán una cita privada a Christian con Satine para queChristian le demuestre su talento como escritor, y una vez haberlo escuchadose lo recomendará a Zidler (Jim Broadbent) el dueño de Moulin Rouge. Llegala noche, van al Moulin Rouge y el plan les funciona con el apoyo de unaserie de malentendios e improvisaciones , pero sucede algo: Christian seenamora de Satine. Ella primero lo rechaza por que ella es una prostituta,pero a final de cuentas admite lo que siente y comienza la relación. Porotro lado, convertir a Moulin Rogue en un teatro cuesta una gran cantidad dedinero, el Duke de Worcester (Richard Roxburgh) está dispuesto a invertir enesto con una condición: Que Satine sea suya, solo suya. Debido a esto,Satine y Christian deben de serle fiel a su relación a escondidas de todos,pero poco a poco todos van descubriendo y se crean conflictos entre el Dukey Christian. Lo que diferencía a la animación de la realidad es la gravedad. En lascaricaturas los personajes se mueven rapidísimo por que no hay nada de pesoen el mundo animado, cosa que no se puede hacer en vida real, pero Luhrmanlo logra usando efectos especiales tan sencillos como cámara rápida, estotambien se debe a sus sobre-expresiones faciales. Esto se vería ridículo sila película fuera muy realista, pero no lo és, las escenas musicales parecenvideos musicales, y lo que hacen los videos es ofrecernos una escapatoria dela realidad, lo cual es raro por que fue precisamente esta la razón que seinventó el género musical. La dirección de Luhrmann no fue la mejor en "William Shakespere'sRomeo & Juliet" ya que trató de adaptar una tragedia en un video musical,pero no combinaban, peor aún, no era una película musical.Independientemente de la brusca dirección de Luhrmann, había mucho talentoen "Romeo & Juliet" y siempre pensé que el talento de Luhrmann seríaaceptado para algún género, "Moulin Rogue" nos demuestra que el géneromusical era su mejor opción. Tengo entendido que en el 2006 se reunirá denuevo con Leonardo DiCaprio ( Quien salió de "Romeo") y con Nicole Kidmanpara hacer un nuevo proyecto acerca del rey Alexander, el mismo personajeque hizo Colin Farrell en la película "Alexander" de Oliver Stone el añopasado, espero y sea musical por que si trata de hacer lo mismo que hizo con"Romeo & Juliet", sería un paso atrás de esta gran experiencia musical.
Diarios de Motocicleta
Quiero compartir con ustedes la opinion de un crítico llamado Roger Ebert acerca de "Diarios de Motocicletas":
"...Che Guevara es un ícono conveniente para aquellos que no han analizado su filosofía, la cual era autoritaria. Como su amigo Fidel Castro, era un guerrilla que se disfrazaba como comunista. Decía que amaba a su gente pero no amaba su libertad de expresión, o sus libertades civiles. Cuba es ahora más o menos como él hubiera querido..."
No se si su argumento sea válido o no, pero en realidad no importa. Cualquiera que no esté familiarizado con Che puede dar su opinion acerca de "Diario de Motocicletas" ya que nomas muestra un viaje por todo America del Sur la primera mitad y gente que inspiraron a Ernesto en convertirse en Comandante Che Guevara en la segunda. Al final sentimos que no nos mostró lo suficiente y queremos saber más acerca de Che Guevara, no se si este impacto sea bueno o malo. Nos depierta el interés, pero tambien nos deja insatisfechos. No sé si era necesario mostrar los detalles acerca del viaje, nos muestra demasiado que nos es difícil asimilar que este joven se convertirá en "comandante" revolucionario, si fuera una historia ficticia nos fuera inaceptable. Se respaldan demasiado en el hecho de que están contando la historia verídica y creen que tenemos que aceptar todo lo que vemos, pero mientras veía la película quisiera que el director Walter Salles hubiera visto la película "Malcolm X".
"Malcolm X" es un afro-americano islámico que luchó por los derechos y el respeto de los negros en E.U. pero no siempre fué así. Era un criminal cuando era adolescente y permaneció en la cárcel por 10 años. Fue en la cárcel cuando conoció a Baines, un islámico que lo introdujo a la religión y cambió su vida por siempre. Lentamente vemos la transición clara, vívida y creiblemente de como Malcolm decidió convertirse de criminal a religioso.
Esta trancisión no existe en "Diarios de Motocicleta" por que no cuenta toda la vida de Che, solo el primer acto importante en su vida. Si "Malcolm X" hubiera terminado cuando conoce a Baines y nos hubiera mostrado más acerca de sus años como criminal que como islámico, no sería tan interesante.
Gael García Bernal interpreta a Ernesto Guevara como un personaje de película, no como una figura histórica, y no lo culpo, no puedes interpretar al Che en esta película. Gael dice que estudió mucho al Che para esta película,¿le habrá ayudado en algo? La única persona que puede contestar esta pregunta es Alberto Granado, el compañero que viajó con Che, interpretado en la película por Rodrigo de la Serna. El estuvo con él durante el viaje y solamente él puede apreciar esta historia. En cambio para nostros la película termina justo cuando iba a suceder algo digno de ser apreciado.
"...Che Guevara es un ícono conveniente para aquellos que no han analizado su filosofía, la cual era autoritaria. Como su amigo Fidel Castro, era un guerrilla que se disfrazaba como comunista. Decía que amaba a su gente pero no amaba su libertad de expresión, o sus libertades civiles. Cuba es ahora más o menos como él hubiera querido..."
No se si su argumento sea válido o no, pero en realidad no importa. Cualquiera que no esté familiarizado con Che puede dar su opinion acerca de "Diario de Motocicletas" ya que nomas muestra un viaje por todo America del Sur la primera mitad y gente que inspiraron a Ernesto en convertirse en Comandante Che Guevara en la segunda. Al final sentimos que no nos mostró lo suficiente y queremos saber más acerca de Che Guevara, no se si este impacto sea bueno o malo. Nos depierta el interés, pero tambien nos deja insatisfechos. No sé si era necesario mostrar los detalles acerca del viaje, nos muestra demasiado que nos es difícil asimilar que este joven se convertirá en "comandante" revolucionario, si fuera una historia ficticia nos fuera inaceptable. Se respaldan demasiado en el hecho de que están contando la historia verídica y creen que tenemos que aceptar todo lo que vemos, pero mientras veía la película quisiera que el director Walter Salles hubiera visto la película "Malcolm X".
"Malcolm X" es un afro-americano islámico que luchó por los derechos y el respeto de los negros en E.U. pero no siempre fué así. Era un criminal cuando era adolescente y permaneció en la cárcel por 10 años. Fue en la cárcel cuando conoció a Baines, un islámico que lo introdujo a la religión y cambió su vida por siempre. Lentamente vemos la transición clara, vívida y creiblemente de como Malcolm decidió convertirse de criminal a religioso.
Esta trancisión no existe en "Diarios de Motocicleta" por que no cuenta toda la vida de Che, solo el primer acto importante en su vida. Si "Malcolm X" hubiera terminado cuando conoce a Baines y nos hubiera mostrado más acerca de sus años como criminal que como islámico, no sería tan interesante.
Gael García Bernal interpreta a Ernesto Guevara como un personaje de película, no como una figura histórica, y no lo culpo, no puedes interpretar al Che en esta película. Gael dice que estudió mucho al Che para esta película,¿le habrá ayudado en algo? La única persona que puede contestar esta pregunta es Alberto Granado, el compañero que viajó con Che, interpretado en la película por Rodrigo de la Serna. El estuvo con él durante el viaje y solamente él puede apreciar esta historia. En cambio para nostros la película termina justo cuando iba a suceder algo digno de ser apreciado.
La Naranja Mecania
"La Naranja Mecánica" trata de un joven que naturalmente es violento, agresivo, inmoral e intelectual. Muchos dicen que este personaje se ha convertido así por que la sociedad lo convirtió así, pero en ningún momento nos muestra esto la película. No hay ninguna razón por la cual este joven sea así, no es maltratado por la sociedad, ni por sus padres, ni por nadie a su alrededor, simplemente es así.
Alex es el nombre de este personaje, y en realidad no es una mala persona...bueno, sí lo es. Un joven que se mete a la casa de un escritor a violar a su esposa no es considerado una buena persona. Mas bien la película nos lo muestra de una manera natural, y en varios casos cómica. Si hay algo cómico de como lo muestra, Kubrick hace un buen trabajo en causar risas mientras vemos a una muchacha violada. No lo digo porque admire que Kubrick no considere la seriedad de la situación, sino por que es algo dificil de mostrar. Quisiera pensar que estas escenas son una sátira, pero sátira de que? del crimen? del sistema? Si acaso es una sátira, en realidad no hace sentido.
Pero bueno, estas preguntas no te las haces mientras observas la película. Después de una noche de pelear con otra pandilla, causar choques en la carretera, golpear un vagabundo por haber desperdiciado su vida, y de violar a la esposa de un escritor, Alex llega a su casa a escuchar a Beethoven a sentir un poco de paz y tranquilidad, o como el nos dice, "Fue una grandiosa noche, ahora para darle el perfecto final".
Alex tiene a tres pandilleros a su lado: Pete, Georgie, y Dim. Los tres se le revelan al día siguiente por que Alex es el líder y tal parece que no les gusta su manera de controlar. En realidad no se por que se le revelan, pero de nuevo, no son preguntas que nos hacemos durante la película. Lo traicionan mientras se meten a la casa de una señora, supuestamente por que tiene mucho dinero, estreyándole una botella de leche en su cara (Oh, porque ellos no pistean cerveza, sino leche) y huyendo. Llega la policía y se lo llevan a la comandancia donde le informan que la mujer falleció debido a un golpe brutal que le había dado Alex.
Lo meten a la carcel por 15 años, pero a los 2 años lo eligen para un experimento por parte del gobierno. Lo amarran a una silla con un chaleco de fuerza, y le ponen unas pequeñas agujas de metal en los ojos impidiendo que los pueda cerrar. Le ponen durante todo el día cortometrajes que contienen puras imágenes violentas. Al principio le gusta pero poco a poco le comienza a dar asco, siente ganas de vomitar y les ruega que quiten esas imágenes. El gobierno comienza este tratamiento para reducir el crimen en el país, lo cual los hace ver bien siendo un año de elecciones.
Al terminar el tratamiento, cualquier acto de violencia lo hace sentir mal y no puede reaccionar ante ello, por lo cual deja de querer ser violento. Lo dejan libre con la garantía de que ya ha sido rehabilitado, pero al salir todo el mundo se ha puesto en su contra y por causa del tratamiento no se puede defender.
Malcolm McDowell interpreta el papel de Alex con mucha seguridad y a pesar de que es un criminal, me gustó muchísimo como McDowell nos transmite el placer que obtiene Alex al realizar sus actos criminales. La dirección de Kubrick, como en todas las películas, no ayuda mucho la película. Lo que sí ayuda es el guión, en esto sí sobresale bastante Kubrick. Pasan cosas en la película que en sí no son interesantes, pero el diálogo las hace interesantes. Por ejemplo: Cuando recién entra Alex a la carcel, Kubrick nos muestra todo el proceso de inspección con una gran paciencia. Nos muestra como vacía sus bolsillos, nos muestra como se desnuda para hacerle un chequeo y mientras se desnuda lo interrogan acerca de sus antecedentes médicos y sexuales. Esta escena dura entre 5 a 8 minutos, y es demasiado tiempo para una escena como esta, sin embargo debido a la estricta y firme actuación tanto de McDowell como de los que interpretan a los guardias, y debido a la precisión y claridad del guión, esta escena raramente nos inspira y nos demuestra que cualquier tipo de situación puede ser una grandiosa escena teniendo la precision y la claridad necesaria.
La película hace un grandísimo error en cuanto orden. Honestamente, es más interesante Alex siendo criminal que Alex recién rehabilitado, y lamentablemente de las 2:30 hrs. que dura, solo los primeros 40 minutos lo vemos criminal. No es frustrante el hecho de verlo así poco tiempo. Es frustrante que sean los primeros 40 min. en vez de los últimos. Hubiera sido mejor que durante los primeros 1:50 hrs.nos consumiera y que en el acto final nos hubiera introducido a Alex criminal.
No es agradable ver a Alex hacer todos estos crímenes, pero son las escenas más interesantes de toda la película por que Kubrick nos las muestra de una manera futurísticamente surreal que parecen secuencias extraídas directamente de una mente intelectualmente sicodélica, como la de Alex, o Kubrick. Y en el audio escuchamos pura música clásica, y esto las fortalece más. Pero la 1:50hr. que sigue en la cual Alex esta en la cárcel, el tratamiento, etc. estas escenas nos la muestra muy... normal. Y eso nos da un tremedo bajón después de la grandiosa introducción. Dígamos que la película comienza como una excelente experiencia visual y sonora, y termina simplemente como una buena película.
Alex es el nombre de este personaje, y en realidad no es una mala persona...bueno, sí lo es. Un joven que se mete a la casa de un escritor a violar a su esposa no es considerado una buena persona. Mas bien la película nos lo muestra de una manera natural, y en varios casos cómica. Si hay algo cómico de como lo muestra, Kubrick hace un buen trabajo en causar risas mientras vemos a una muchacha violada. No lo digo porque admire que Kubrick no considere la seriedad de la situación, sino por que es algo dificil de mostrar. Quisiera pensar que estas escenas son una sátira, pero sátira de que? del crimen? del sistema? Si acaso es una sátira, en realidad no hace sentido.
Pero bueno, estas preguntas no te las haces mientras observas la película. Después de una noche de pelear con otra pandilla, causar choques en la carretera, golpear un vagabundo por haber desperdiciado su vida, y de violar a la esposa de un escritor, Alex llega a su casa a escuchar a Beethoven a sentir un poco de paz y tranquilidad, o como el nos dice, "Fue una grandiosa noche, ahora para darle el perfecto final".
Alex tiene a tres pandilleros a su lado: Pete, Georgie, y Dim. Los tres se le revelan al día siguiente por que Alex es el líder y tal parece que no les gusta su manera de controlar. En realidad no se por que se le revelan, pero de nuevo, no son preguntas que nos hacemos durante la película. Lo traicionan mientras se meten a la casa de una señora, supuestamente por que tiene mucho dinero, estreyándole una botella de leche en su cara (Oh, porque ellos no pistean cerveza, sino leche) y huyendo. Llega la policía y se lo llevan a la comandancia donde le informan que la mujer falleció debido a un golpe brutal que le había dado Alex.
Lo meten a la carcel por 15 años, pero a los 2 años lo eligen para un experimento por parte del gobierno. Lo amarran a una silla con un chaleco de fuerza, y le ponen unas pequeñas agujas de metal en los ojos impidiendo que los pueda cerrar. Le ponen durante todo el día cortometrajes que contienen puras imágenes violentas. Al principio le gusta pero poco a poco le comienza a dar asco, siente ganas de vomitar y les ruega que quiten esas imágenes. El gobierno comienza este tratamiento para reducir el crimen en el país, lo cual los hace ver bien siendo un año de elecciones.
Al terminar el tratamiento, cualquier acto de violencia lo hace sentir mal y no puede reaccionar ante ello, por lo cual deja de querer ser violento. Lo dejan libre con la garantía de que ya ha sido rehabilitado, pero al salir todo el mundo se ha puesto en su contra y por causa del tratamiento no se puede defender.
Malcolm McDowell interpreta el papel de Alex con mucha seguridad y a pesar de que es un criminal, me gustó muchísimo como McDowell nos transmite el placer que obtiene Alex al realizar sus actos criminales. La dirección de Kubrick, como en todas las películas, no ayuda mucho la película. Lo que sí ayuda es el guión, en esto sí sobresale bastante Kubrick. Pasan cosas en la película que en sí no son interesantes, pero el diálogo las hace interesantes. Por ejemplo: Cuando recién entra Alex a la carcel, Kubrick nos muestra todo el proceso de inspección con una gran paciencia. Nos muestra como vacía sus bolsillos, nos muestra como se desnuda para hacerle un chequeo y mientras se desnuda lo interrogan acerca de sus antecedentes médicos y sexuales. Esta escena dura entre 5 a 8 minutos, y es demasiado tiempo para una escena como esta, sin embargo debido a la estricta y firme actuación tanto de McDowell como de los que interpretan a los guardias, y debido a la precisión y claridad del guión, esta escena raramente nos inspira y nos demuestra que cualquier tipo de situación puede ser una grandiosa escena teniendo la precision y la claridad necesaria.
La película hace un grandísimo error en cuanto orden. Honestamente, es más interesante Alex siendo criminal que Alex recién rehabilitado, y lamentablemente de las 2:30 hrs. que dura, solo los primeros 40 minutos lo vemos criminal. No es frustrante el hecho de verlo así poco tiempo. Es frustrante que sean los primeros 40 min. en vez de los últimos. Hubiera sido mejor que durante los primeros 1:50 hrs.nos consumiera y que en el acto final nos hubiera introducido a Alex criminal.
No es agradable ver a Alex hacer todos estos crímenes, pero son las escenas más interesantes de toda la película por que Kubrick nos las muestra de una manera futurísticamente surreal que parecen secuencias extraídas directamente de una mente intelectualmente sicodélica, como la de Alex, o Kubrick. Y en el audio escuchamos pura música clásica, y esto las fortalece más. Pero la 1:50hr. que sigue en la cual Alex esta en la cárcel, el tratamiento, etc. estas escenas nos la muestra muy... normal. Y eso nos da un tremedo bajón después de la grandiosa introducción. Dígamos que la película comienza como una excelente experiencia visual y sonora, y termina simplemente como una buena película.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
