Los Fans de Kubrick y el docu sobre ellos!

A continuación haré algo de lo que no estoy orgulloso ni pienso que sea correcto, pero es sobre algo que siempre he sabido y ahora alguien lo pone a prueba frente a la cámara. ¿A que me refiero? Hablaré de un proyecto y haré observaciónes sobre él sin aún verlo. Pero saben? No es tanto del proyecto que hablaré sino de la temática que abarca, la cual puede discutirse con o sin este documental, pero el hecho de que alguien lo explore en un proyecto es algo que, en cierta forma y hasta cierto punto, he estado esperando desde que tuve noción de que existía un director de cine llamado Stanley Kubrick.

Hace unos meses se reveló que se había hecho un documental llamado "Room 237" sobre los significados ocultos de las películas de Kubrick, en especial "The Shining", la película de terror basada en la novela de Stephen King. Se me hizo interesante este concepto, y como la primera vez que supe de él fue por el review que se posteó en la página de Roger Ebert (Q.E.P.D.) decidí leer la crítica, aunque esta no fue escrita por el legendario crítico, sino por Jim Emmerson, uno de sus colegas. En la crítica menciona lo siguiente:

"What is "Room 237" really about? On the surface, Rodney Ascher's documentary exhibits the theories a few obsessive fans have put forward to reveal what they think Stanley Kubrick's "The Shining" is really about. According to them, Kubrick stashed "hidden meanings" in the vacancies, hallways, ballrooms, bathrooms, walk-in storage areas and hedge-mazes of the Overlook Hotel in his 1980 horror film.

Trouble is, the "Room 237" conspirators — er, contributors — don't seem to realize that those meanings are either not hidden, not meanings or not remotely supported by the secret evidence they think they've uncovered. "Room 237" isn't film criticism, it isn't coherent analysis, but listening to fanatics go on and on about their fixations can be kind of fun. For a while, at least"

Después me fijo en wikipedia y veo esto:

In a March 27, 2013 article in The New York Times, Leon Vitali, who served as personal assistant to Kubrick on the film, stated "There are ideas espoused in the movie that I know to be total balderdash"; for example, the documentary's theory concerning a poster of a minotaur is in fact referencing a poster of a skier and the film's usage of a German typewriter, interpreted to be symbolic of the Holocaust, was chosen by Kubrick for pragmatic reasons. He concluded that "[Kubrick] didn’t tell an audience what to think or how to think and if everyone came out thinking something differently that was fine with him. That said, I’m certain that he wouldn’t have wanted to listen to about 70, or maybe 80 percent [of Room 237]... [b]ecause it’s pure gibberish."

No tienen idea de lo mucho que esto de arriba hace sentido para mí, pero posiblemente no para los amantes del famoso director. Para mí Kubrick siempre ha sido de esos directores que nadie se atreve a cuestionar, y cualquier posible inconsistencia o error que pueda haber en sus filmes son justificados de cualquier manera con tal de no contradecirlo. Los cineastas escuchan el nombre y se les enchina el cuero, bajan la cabeza, y no lo bajan de un altísimo pedestal. Los fieles lectores del blog saben que yo nunca he puesto a nadie en un pedestal, ni siquiera a Spielberg quien es mi director favorito, no creo que ningún director es incuestionable. Kubrick no fue la excepción, y ciertamente cuando estaba muy joven me atreví a escribir reseñas como esta en la que vilmente decía que Kubrick cometía "errores" en sus filmes, cuando en realidad no eran errores, sino que yo había visto escenas similares manejadas mucho mejor por otros directores (De hecho el último comment de esa reseña, en la que no me bajan de pendejo, me la escribieron hace poco). Aún así me gustan mucho sus películas, pero algo que con el tiempo me di cuenta es que los fans profundizaban muchísimo en sus filmes, y algo me aseguraba que era más de lo que el director intentaba profundizar.  Para mí, la única película que realmente me retó a la hora de interpretar lo sucedido es "2001: Space Oddissey", las otras son historias con un tinte sátiro y/o moralista. Hasta ahí! Sin embargo no es suficiente para los fans, quienes le escarban más aún a los detalles, y supongo que era cuestión de tiempo de que saliera un documental como "Room 237".

Estoy seguro que será interesante ver este docu, y me imagino que ha ser muy persuasivo en sus suposiciones, pero yo tengo este antecedente con Kubrick que concuerda con lo que Jim Emmerson y Leon Vitali dijeron de este proyecto que, posiblemente, demuestre lo que yo siempre he sabido. Aparentemente, no es suficiente con que Kubrick haya sido un talentoso director que quería contar una historia con ciertos subtextos, tenía que haber más detalles detrás de los detalles que lo convirtieran en un gran enigma.

Solo con tu Pareja

"Solo con tu Pareja" es una versión artística de una comedia como "Nosotros los Nobles" ya que nos muestra similares circunstancias, pero le da un enfoque a particulares y minimalísticos detalles que usualmente se le hacen a películas pertenecientes al "Cine de Arte". A mí me entretuvo la historia y aprecié estas observaciones artísticas como cineasta, la pregunta es que tan bien combinan las dos cosas hacia el espectador común y al espectador cineasta, ¿Acaso al cineasta le molestaran las situaciones caricaturescas que suceden? ¿O acaso al espectador común le estresó las minimalistas observaciones? Esto fuera cuestionable si no se tratara de la ópera prima de Alfonso Cuarón, posiblemente el director más creativo que ha salido de este país y que ha conquistado el mundo al abarcar una significante variedad de géneros (Lo cual no puedo decir de Guillermo del Toro quien no sale de su cine de terror y fantástico).  Yo no creo que ningún director es inmune ni perfecto, pero este es un particular caso porque no se trata de una mala película, sino una curiosa interpretación por parte del director.

Me reservaría hablar de la trama ya que es una película que salió hace 22 años y posiblemente ya todo mundo la vio, pero considerando que se trata de una mexicana asumiré que nadie fue a verla al cine (Aunque es muy probable que esté equivocado, espero) y ahí les va:

Thomas (Daniel Giménez Cacho) es un joven adicto al sexo que atraviesa la vida pasando de mujer a mujer sin remordimientos y sin necesidad de comprometerse con nadie. Una noche, su vecino y mejor amigo, el Dr. Mateo (Luis de Icaza) le pide que por favor le cuide su casa y le dé de comer a sus peces mientras él y su esposa salen de la ciudad por unos días, lo cual coincide con la noche en que Thomas tendrá una cita con Silvia, la enfermera y asistente de Mateo. Otra coincidencia es que Teresa, la jefa de Thomas, esta por pasar a su casa para hablar sobre su trabajo y de paso para acostarse con él. Esto incluye una muy larga secuencia en la que Thomas atiende a las dos muchachas simultáneamente pasando de apartamento a apartamento ya sea a través de la puerta principal o pasándose de balcón a balcón. Durante todo esto conoce a una tercera muchacha, una vecina que recientemente se acaba de mudar llamada Clarisa, interpretada por la hermosísima Claudia Ramírez. Pues bien, la noche acaba mal, las dos mujeres lo tuercen, y la enfermera en venganza le pone "positivo" a las pruebas recientes que Thomas se habia echo de SIDA, trayendo consigo graves y relativamente cómicas consecuencias.

Esta escena mencionada arriba en la que Thomas anda de balcón y balcón con parece haber salido de un sketch de televisa. No es imposible lo que sucede sino improbable que las muchachas duren hasta la mañana siguiente para darse cuenta que Thomas se la pasa escapando y dejándolas solas por largos ratos, en especial la enfermera quien es la que pasa menos tiempo con él. Supongo que al ver a los personajes en una situación como esta esperaba ver un acercamiento mas exagerado y descaradamente cómico como en "American Pie", pero Cuarón lo muestra todo de una manera más serena y sin mirara atrás para observar lo absurdo que es la situación y la manera como los personajes lo manejan. Sin embargo, las tomas, los enfoques, los movimientos de cámara, y básicamente la manera en cómo está contada la escena muestra un verdadero talento por parte del director que eventualmente se convertiría en todo un maestro de la cinematografía.

Clarisa es un personaje muy curioso que aparentemente no le sorprende ni mucho menos le molesta vivir al lado de un vecino como Thomas, con quien ha tenido varios encuentros vergonzosos, incluyendo uno en el que está completamente desnudo en las escaleras del edificio. El encanto de este personaje viene de la belleza de Claudia Ramírez y la astuta decisión que tomó Cuarón al resaltarla con tomas en cámara lenta en las que vemos como Thomas poco a poco cae redondito a sus pies. 

Solo fueron dos o tres los momentos en los que realmente me reí durante todo el filme, en especial porque al final toma un giro bastante obscuro cuando Thomas, después de enterarse de la falsa noticia, decide suicidarse. Por cuestiones muy complejas, Clarisa está a su lado cuando esta por tomar esta decisión, y aquí los personajes tienen conversaciones demasiadas profundas y filosóficas para una comedia, "Estamos en el abismo de la vida". Si ustedes entraran a una habitación y vieran a una persona que raramente conocen a punto de suicidarse, ¿reaccionarían tan gentiles y casuales como lo hace Clarisa?  Pero saben, hace unos días también vi "Moonrise Kingdom" de Wes Anderson, y aquí también suceden cosas demasiadas serias como para tomarse tan ligeramente como lo hacen los personajes de ese filme, especialmente considerando que la mayoría son niños, pero esas historias se llevan a cabo casi como si fuera en otro mundo mágico, por lo menos esa es la interpretación que nos da Anderson, y es por eso que cuestioné ese resultado. SCTP es un poco más cercano al mundo real y es por eso que la percepción la sentí algo desconectada.

Y finalmente tenemos la temática del sexo, la cual fue mayormente explorada en "Y Tu Mamá También". Cuarón hace unas muy raras decisiones cuando se trata ya sea de sexo o de escenas que incluyan full frontal nudity. Al comienzo del filme, Thomas baja las escaleras espirales del edificio para recoger su periódico completamente desnudo, y es algo que hace diariamente como si fuera ejercicio. Esta escena me recordó a YTMM cuando Gael y Diego se masturban uno al lado de otro en una alberca. ¿Por que Cuarón piensa que nosotros los hombres tomamos tan a la ligera situaciones como esas? ¿Acaso Thomás no considera la posibilidad de que se tope con alguien en ese "ejercicio"? ¿Acaso Diego y Gael no consideran que alguien pudiera llegar a la alberca y los encontrara así? ¿Acaso Cuarón nos considera tan voluntariamente indiscretos? ¿Tanto que puede ser algo... creepy?

Yo siempre aprecio cuando un filme maneja con sentido del humor lo que es chistoso y cuando maneja seriamente lo que es dramático. Cuarón busca un balance entre la drama y la comedia y nos cuenta toda la historia adaptándola a ese balance. Es por eso que hay escenas cómicas que no se sienten seguras de lo chistosas que son y hay escenas dramáticas con un tinte cómico que no podemos ver lo verdaderamente trágicos que pueden ser los resultados. Encima de todo esto están los detalles artísticos que le dan un toque angelical a todo lo que vemos. Repito, no es una mala película, solo una rara interpretación, pero me alegra pensar que las obras maestras de este director llegaron más adelante, y ciertamente así fue. 

Detras de Camaras de "La Presa"

No estaba seguro de quien estábamos hablando cuando me enteré de que la serie web "La Presa" estaba por estrenarse, lo único que sabía es que uno de los actores era el protagonista del cortometraje “Nubes Negras” de Arturo Solis, y hasta ahí. No tenía idea de quién era el director, como se estaba realizando este proyecto, cuál era el apoyo que estaba recibiendo, ni nada por el estilo. Hasta este día sigo sin saber nada de esto, pero gracias a este detrás de cámaras se un poco de los realizadores y los actores que forman parte de esta serie. Aquí podemos ver entrevistas de varios de los actores, incluyendo Ari Rodríguez. Hasta que en el minuto 13:51 aparece frente a la cámara el director Abyss Borboa al lado de Josha Olivera, quien aparece en los créditos como el Director de Cámaras. Creo que dejé muy claro en mi reseña sobre el primer episodio que no me gustó lo que ví, y en ella explico detalladamente que fue lo que no me gustó y porque. Sin embargo, no sabía mucho de quien era Abyss y bajo cuales circunstancias tanto económicas como creativas se hizo la serie, y aunque no lo crean no es mi deber ni mucho menos obtengo placer en señalar lo que yo considero que son defectos de los proyectos de compañeros realizadores de la ciudad. Es por eso que gente que realmente aborreció la serie me dijeron que fui demasiado "light" a la hora de opinar, supongo esperaban que la destrozara como si no existiera el mañana. Mi última palabra fue que era una serie, y posiblemente en los futuros episodios, después de romper el hielo con el primero, mejorarían las cosas. Después de ver el segundo episodio esa posibilidad cada vez se hizo más improbable.

Ahora veo este detrás de cámaras, el cual se subió días después del primer episodio, y hay algo sobre las intenciones de Abyss y josha que sinceramente no me cuadran. Empezando con el hecho de que, según nos informan, vieron lo que se ha hecho en la localidad y su objetivo era superarlo. Cada realizador tiene derecho de tener sus objetivos particulares en cuanto sus proyectos, y ciertamente suele suceder que vemos un corto muy mal hecho y pensamos de inmediato "Pudiera hacer algo mejor". Esto puede ser un punto de partida, pero en este caso no hablan de un proyecto en específico, y al no especificar hacen una aparente generalización de  LO QUE SE HACE EN TIJUANA, osea TODO! Lo triste es que, pues, yo he visto muchos proyectos de que se han hecho aquí, y sinceramente no me viene ninguno a la mente que "La Presa" supere. Más adelante nos informa Abyss que en tres noches escribió la primera temporada. Una de mis mayores quejas de este proyecto fue el guión que no tenia forma ni figura, y ahora que nos dicen que lo hicieron en tres noches (Los de “El Porvenir” han tardado meses en escribirlo) ciertamente se siente que estamos viendo algo que se hizo a la carrera.

Finalmente, viene la parte de la entrevista en la que Abyss afirma que, aparentemente, no le importa lo que la gente piense de su trabajo ya que lo hacen para ellos mismos. Es entendible que un cineasta haga las cosas porque le gustan hacerlas y no necesariamente para complacer al espectador, pero el éxito siempre yace en la recepción de un producto, especialmente en el cine. Yo creo más bien que tenemos que hacer nuestro proyecto sin manipularlo bajo los términos que se requieren para complacer al espectador, y si es eso a lo que Abyss se refiere pues entonces estoy de acuerdo, pero aquí en el detrás de cámaras da la impresión de que REALMENTE no le importa lo que el espectador piense, y si es ese el caso entonces para que hacer posters, trailers, páguina de facebook, etc.? Eso es algo que, por lo menos a mí, no hace sentido ya que dicha difusión es para promover tu trabajo, ¿pero para que promoverlo si no te importa lo que piensen aquellos a quienes se los estas promoviendo? Tal vez estoy profundizando demasiado en esto considerando que en el pasado he apoyado proyectos del Pillado, quien no le importaba lo que el público pensara de su trabajo, pero él nunca le hizo la difusión que Abyss le hizo a "La Presa", y supongo que es ahí donde está la diferencia.

Diferencias entre directores son normales, y estas son las que yo tengo hacia la manera en cómo, según este video, Abyss interpreta el hacer un proyecto local. Pero bueno, cada quien tiene derecho a pensar e interpretar lo que quiera del cine. Habían muchas cosas que no concordaba con el Pillado, sin embargo éramos muy buenos amigos y compañeros realizadores (Seguimos siendo amigos, pero ya no tanto compañeros realizadores desde que se retiró del cine para dedicarse a la música). De nuevo, no me queda más que desearle a Abyss suerte con su proyecto y que, a pesar de que no le importa, espero encuentre su público.

Remembranzas: Las distintas lecciones de "24 Hour Party People"

Los fieles lectores del blog saben que mi hermano mayor, Juan Carlos, es el cantante de una banda gótica llamada Orlok, sin embargo no se limita a escuchar música de ese género únicamente ya que antes de ser gótico es un músico. Debido a esto es que escucha también música que se le puede llamar derivada de aquel género. Una de estas es Joy Division, y fue por él que yo escuché a esa banda por primera vez cuando iba en la secundaria. Obviamente me enteré la triste historia del vocalista, quien era epiléptico y acabó suicidándose a los 23 años de edad. Esta es una historia que me hubiera gustado ver en la pantalla grande, pero el grupo era tan underground que nunca pensé que llegara el día en que alguien la hiciera, pero ese día llegó a finales del 2007 con el filme "Control". Sin embargo, antes de aquel filme vi otra película que salió cinco años antes y que también hablaba de Joy Division, y esa película fue "24 Hour Party People", una película que me motivó y me influyó de una manera que nunca antes me había pasado, tal vez se deba a que es una historia contada de una manera que nunca había visto antes justo cuando yo estaba haciendo un corto que requería de un acercamiento similar.

Fue como a mediados del 2003 que mi hermano Juan Carlos se me acerca y me dice que compró una película en donde sale Joy Division. Recuerdo haber visto la caja del DVD, y en la parte trasera se veía uno de los personajes fumando un cigarrillo, "El es el Ian" me dice mi hermano refiriéndose al vocalista de la banda. Días después pasé por la recámara de mi hermano y vi que la estaba viendo, le eché un ojo en la película y quedé impactado por que había sido grabada en un formato digital y no celuloide. El impacto se debió a que a principios del año participé en el cortometraje llamado "When the World Went Away" de mi querido y estimado Joseph Pérez, el cual se grabó con una cámara de celuloide. Debo decir que no me agradó lo que ví, no me agradó que tardaran tanto para hacer una pequeña toma, y definitivamente no me agradó que básicamente trabajaban a ciegas ya que, según me informó Joseph, lo que se veía a través de la cámara no era como se vería exactamente en el resultado final, por lo cual tenían que ser sumamente cuidadosos con la distancia, con el lente, y con la iluminación. No me agradó esta , manera de grabar, pero en ese entonces recuerdo haber pensado, "Pues, ni modo, algún día tengo que hacer esto". Al ver aquel fragmento de "24HPP" vi la excepción a la regla, y me hizo sentir un gran alivio. 

Finalmente llegó el día en que me senté a ver la película completa, y cuando terminó quedé un poco sacado de onda por la manera en como el director, Michael Winterbottom, mezclaba bruscamente la realidad con la ficción. En especial una escena en la que están grabando un programa de TV y el protagonista Tony Wilson, interpretado por Steve Coogan, aparece en pantalla diciéndonos que el actor que está interpretando al director del programa es el verdadero Tony Wilson. Nunca había visto semejante cosa, y mi mayor duda era si esto era bueno o malo para filme. Otra cosa que me llamó la atención es que no parecía tener ningún interés por tener el look de una película. Tan solo meses antes había visto "28 Days Later" la cual también se grabó en formato digital, pero la iluminación le daba un toque más de "movie". En 24HPP parecía que no usaron ninguna iluminación artificial, sino lo que había en la locación a la hora de grabar. Y si acaso llegaron a iluminar, lo cual es más probable, fue solo para resaltar lo que ya había en la locacion lo mas que se necesitara para poder ver lo que aparecía en pantalla con algo de claridad. Todo esto era nuevo para mí, no sabía si me había gustado o no aunque era obvio que había dejado una muy clara impresión en mí.

Una tarde estaba leyendo críticas de Ebert, y mi hermano me preguntó que había dicho de 24HPP. Nunca se me había ocurrido antes checar su review, de hecho no me imaginé siquiera que había visto el filme, pero mientras lo buscaba le dije a mi hermano, "De sincho no le ha de haber gustado", y que creen? resultó que le encantó otorgándole cuatro estrellas:

"Wilson, a real man, is played by Steve Coogan, who plays a Wilsonoid TV personality on British TV. That sort of through-the-looking-glass mixing of reality and fancy makes the movie somehow more true than a factual documentary would have been".  

Review completo.

Algo que siempre me encantaba de los reviews de Ebert, Que en Paz Descanse, es que aceptaba los filmes bajo sus propios términos, no en los suyos personales. Esto es algo que muy poca gente puede hacer a la hora de criticar, y yo creo poder hacerlo gracias a él. Uno de los primeros filmes en los que apliqué esto fue con 24HPP, y ciertamente la segunda vez la vi bajo sus bizarros y no-convencionales términos, y me encantó! Me enseñó que se pueden romper las reglas y puedes jugar con la ficción siempre y cuando lo manejes con cierto tacto.

Pues bien, a finales del año comencé a grabar mi cortometraje "Abuso al Arte", el cual originalmente era una dramática y muy seria historia sobre un tipo que odiaba a los que hoy en día fueran considerados como hipsters. Sin embargo, por cuestiones complicadas no pude hacerlo así. Fue aquí cuando se me ocurrió mezclar el formato de ficción con el de documental para contar lo que sería algo relativamente verídico (Yo era quien odiaba a estos tipos en vida real). Esto es algo que nunca se me hubiera corrido si no hubiera visto 24HPP y su forma deliberada de mezclar estos dos géneros, y el hecho de haberlo contado así permitió que mostrara con mayor claridad lo mucho que odiaba a esa gente, y porque.

Como dije arriba, cinco años después salió "Control" de Anton Corbijn basada en la vida personal y muerte de Ian Curtis. Ese filme me gustó muchísimo, pero ese requería un tratamiento más convencional hacia la historia y no podía hacer lo que Winterbottom hizo con 24HPP ya que su objetivo no era solo contar la historia de Tony Wilson y su disquera Factory, sino dar el feeling de lo que era estar en Manchester en esos tiempos. "Control" era más enfocado en Ian y lo demás ya era punto y aparte. Puedes ver los dos filmes y disfrutar dos historias muy distintas, aunque también podemos ver como Winterbottom manipuló un poco los sucesos que se llevaron a cabo para condensar la historia ya que Joy Division no es la única banda que protagoniza el filme, sino también New Order y los Happy Mondays. 

 

Nunca me había caído el veinte de lo mucho que aprendí de este filme hasta ahorita que escribí esta reseña. Otras películas me han enseñado como ser un mejor storyteller, pero esta me enseñó a no tener miedo de hacer lo necesario para transmitir lo deseado y a veces usar métodos no convencionales para hacerlo.

La Mexicana mas taquillera!

Yo no tenía idea de que esto pasaría ya que es algo que no tiene tanta resonancia, pero ahora que pasó hace muchísimo sentido y no me sorprende del todo. No hace falta ser un científico o un genio para determinar qué fue lo que pasó, pero tampoco es algo que se hubiera podido predecir fácilmente. En este espacio se ha hablado mucho tiempo sobre la industria cinematográfica mexicana y sus miles de defectos que vienen incluidos con ella, y tanto ha sido en enfoque en ellos de mi parte que muchos podrían jurar que detesto el cine que se hace en mi país. Esto no es cierto, yo no odio el cine que se hace aquí, pero mucha gente sí, y esta gente no son directores, o productores, o siquiera cinéfilos, sino son la gente común y corriente que entran a la sala sin prejuicios y que van al cine para pasarla bien y perderse un tiempo en lo que están por ver. En pocas palabras, el público! Tampoco diré que este es el caso de TODO el público, pero es la idea general que he percibido de ellos.  ¿Por qué lo odian? Si navegan por el blog encontrarán docenas de reseñas en las que hablo sobre esto y doy la respuesta, pero para hacérselas más fácil hablaré sobre esto nuevamente. Es fácil: El cine mexicano generalmente nos da películas que (a) no son consumibles, y (b) las que sí lo son es porque cuentan historias intrigantes pero muy trágicas. Al decir "generalmente" es porque estoy afirmando que hay excepciones a todo esto, pero el público no lo piensa así, y no tienen idea de cuantas veces he hablado sobre esto con gente del público y me dicen que simple y sencillamente no toleran el cine mexicano.

El miércoles pasado vi "Nosotros los Nobles", y es una muy rara excepción a todo esto ya que se trata de una película mexicana entretenida, divertida, y termina en un final feliz. Como dije en mi reseña original, la película no es original en su contexto general, pero son los detalles simpáticos que la rescatan. Pues bien, la película me gustó mucho, pero nunca me imaginé que superara los 160 millones de pesos y se convirtiera en la película mexicana más taquillera de todos los tiempos! Es bastante claro por qué pasó esto, y es bastante claro lo que se tiene que hacer para seguir teniendo éxitos taquilleros como estos, pero es aquí donde entra uno de los defectos del cine mexicano: Ego!

Desde que tengo uso de razón siempre he sabido que nosotros los mexicanos nos creemos superiores al cine de hollywood por que, según esto, hacemos cine de mayor calidad. Hacer negocio con el cine como producto comercial es una abominación para nuestra cultura y no debemos de ceder ya que al hacerlo dejamos de ser artistas y nos convertimos en algo más superficial y vendido. Es por eso que debemos hacer proyectos como "Luz Silenciosa" o "Temporada de Patos". A mí me gustaron esos dos filmes laureleados, pero sé que no son los más consumibles para el espectador, mucho menos el de Reygadas. Esto da vida a la contraparte de esto: Falta de Industria. El punto más alto en cuestión monetaria de un cineasta es cuando el gobierno, generalmente a través del Estímulo 226, acepta financiar un proyecto. De ahí en fuera ya no importa lo que se acumule en taquilla ya que siempre nos ganará la audiencia el cine norteamericano, y ¿a qué se debe esto? Al obvio motivo de que el cine de allá es generalmente más entretenido y divertido que el de aquí, y para que nosotros seamos así hay que entrar en las aguas negras del comercialismo, algo que contradice nuestros principios como artistas. Así que preferimos repelar al público y ser financieramente dependiente del gobierno, pero maldita sea, somos artistas!

"El cine de arte nunca puede ser comercial"

- Horacio Ortiz Villacorta

"El cine es un producto que se puede usar de manera artística o para vender"

-Julio Pillado

Ahora viene "Nosotros los Nobles", la cual le quitó al trono de película mexicana más taquillera a "El Crimen del Padre Amaro", y en realidad es increíble que en 10 años nadie le había quitado el trono hasta ahorita (A pesar de que representó a México en los Oscares y que ganó Mejor Película en los Arieles, "El Laberinto del Fauno" no es considerada mexicana por recibir apoyo Español). Y saben? No es tampoco la mejor película que ha salido de este país, pero si algo nos ha demostrado Michael Bay en cuanta taquilla es que no es necesario hacer buenas películas para ser un éxito comercial. Afortunadamente NLN es una buena película, y tampoco estoy diciendo que tenemos que hacer una cochinada comercial con tal de sacar dinero, pero hay mucho talento en este país, y es necesario cortar el cordón con papi gobierno (O más bien, de los impuestos del pueblo) para independizarnos y realmente crear una industria. Un compañero cineasta de la localidad en una ocasión me dijo que no le importaba lo que el público pensara de su cine, sin embargo es de las personas que dice que una industria es necesaria. Estamos hablando ya no tanto de lo que queremos, sino lo que la industria mexicana NECESITA! Aquí con NLN tenemos el claro ejemplo de cómo se puede lograr, pero estoy seguro que en vez de verlo por ese lado los cineastas artistas no pueden tolerar una película tan comercial como esta.