¿Por que lo hago?

Imagen del colectivo 5 y 10, uno de los temas mas importantes de "Septimo en la Frontera"

El viernes pasado fui a la UDC para arreglar unos pendientes con Abraham "Pedro y Megatrón" Avila, y me cuestionó de manera analítica, ¿Por que quería hacer este documental? Soy malo para estas preguntas, no se responder muy bien. De hecho contesté puras babosadas, ni yo sabía lo que estaba diciendo, "Solo haces que me vengan mas preguntas a la mente", me dijo Abraham.

La verdad es que nunca me cuestiono por que quiero hacer un proyecto, simplemente lo hago por que siento el deseo de hacerlo y se acabó (Curioso que esto es algo que se menciona frecuentemente en el documental). Nunca me ha gustado pensar en el mensaje que quiero transmitir por que siento que al identificarlo tendré una linea, una limitante, osea, siento que solo tengo que hablar de cosas que respalden al mensaje y no que tengan continuidad con lo que literalmente sucede en pantalla. Es como en "Babel", todo mundo dice, de hecho creo que yo lo mencioné tambien brevemente, que no había necesidad de incluir la historia japonesa. Sin embargo es mas poderosa y conmovedora que la de Brad Pitt o que la de Tijuana.

Asi pienso con mis cortos de ficción, y a honra.

Pero ahorita estoy haciendo un documental, lo cual es un poco mas diferente que una historia de ficción. Tampoco aquí quiero tener una linea que me diga lo que debo o no debo cubrir, pero siento que sí hay un mensaje, siento estoy diciendo algo, algo que siento que es importante mencionar y resaltar sobre el movimiento, obviamente no es algo que los tijuanenses NO sepan ya que son ellos mismos los que mencionan y analizan el movimiento frente a la cámara.

Ayer ví lo que llevaba editado del proyecto, y me di cuenta de algo que estoy haciendo que ayudara a responder la pregunta de Abraham, pero me detuve y deje de pensar en eso. No quiero saber, no quiero limitarme.

Mi meta original era ser informativo, de hecho yo creo que esa fuera la respuesta a la pregunta de Abraham, simplemente hablar de lo que fue y ahora es el movimiento, pero esa respuesta no me vino a la mente por que no siento que ese sea ya el objetivo principal, el tono del proyecto ha cambiado, y se ha convertido en...

Nota: Si se fijan, resalte las palabras "siento" ya que me recuerda a algo que le dije a Abraham que si hizo un poco de sentido, "Esque no pienso en el mensaje, lo siento".

Dos de Recortos

Este corto de arriba es "2 Cabezas son Mejor que 1" dirigido por Abraham "Podofagus" Sanchez. Este corto es resultado del festival Recortos 48, en el cual, por si no saben, los participantes tienen que hacer un corto de dos días en base a un guión que los organizadores les entregan, entre ellos esta Giancarlo Ruiz. No escribiré un review sobre este corto, aun no, lo que sí diré es que ganó el primer lugar en este evento, y bein merecido. Este año ha de ser el favorito de Abraham, no solo ganó en este evento sino tambien ganó el segundo lugar en Corto Creativo, y su corto "Podofagus" se mostró en el festival de Chile.

Abraham, lo hiciste de nuevo carnal, Felicidades!

Otro corto que tambien se realizó para este evento es este de arriba llamado "Las Extrañas Visiones de Jennifer Aniston". No ganó nada, pero fue uno de los mas memorables del evento, lo cual fue algo que comprobé ayer en la clausura de Bordocs. Disfrútenlo, esta chistosisimo!

Fragmento de "Delirios del Callejón"

Aquí tienen un pequeño fragmento de "delirios del Callejón", el nuevo cortometraje de Mickey Bezeta. Según tengo entendido se encuentra en pausa en este momento, pero después de ver este fragmento he tomado la decisión de hacer algo para que el corto continúe. Disfrútenlo!

Nota: Oh, y para esta semana me actualizo en cuanto lo de Recortos 48.

Union

Juan Antonio Pantoja

El día de ayer fue un día favorecible y decepcionante al mismo tiempo. Decepcionante por que no pude asistir a Recortos 48, uno de los eventos tijuanenses mas populares del momento en cuanto cine y video. Es el tercer evento consecutivo que me he perdido de este año (El primero fue la premier del DVD de 5 y 10, y el segundo fue la mesa redonda de cineastas locales de BORDOCS). Pero les aseguro que será el último, ya estuvo, no más.

Pero el día también fue favorecible ya que entrevisté a Juan Antonio Pantoja, recién llegado de Chile, donde se fue a estudiar guionismo. Tuvimos una conversación sumamente interesante, tanto que perdimos noción del tiempo y tuvimos que darle un corte muy repentino por que se le hacia tarde a JA, el sí iba ir a Recortos.

Recortos 48 se ha convertido en la novedad del momento, ha habido mucha participación en los dos años que se ha llevado a cabo, y es un evento en el cual participan tanto independientes autodidactas como colectivos académicos, todos bajo un mismo techo. Lo cual demuestra que el movimiento de cine en Tijuana no ha llegado al punto de la rivalidad manteniendo una unión e igualdad. No tenía pensado cubrirlo en el documental, pero viendo el gran impacto que ha causado es ahora importante mencionarlo. Así que tenía que grabar el evento, pero como hacerlo si no podía ir? Confiando en la fuerte unión que hay entre realizadores, le di mi cámara a Juan Antonio y dije que se la llevara y que un amigo mío llamado Mickey Bezeta se iba a pedir allá. Juan Antonio aceptó y se la llevo. Una vez yéndose le hablé al Bezeta diciéndole, o más bien pidiéndole, lo que tenía que hacer. Ambos compañeros aceptaron ayudarme, y gracias a ellos tengo el material necesario para cubrir el evento.

Fue increíble lo que paso, me hizo sentir bien y me dio esperanza de que uno siempre puede confiar en el apoyo de sus colegas para realizar sus proyectos. Y por si fuera poco, hace unas horas se acaba de ir Abraham “Pedro y Megatron” Ávila de mi casa, vino para escuchar y analizar el audio de mi documental ya que hasta ahorita lo he grabado con el puro audio de la cámara y no con micrófono. Al enterarse de esto, Adriana Trujillo me informó que esto afectaría la calidad del trabajo (No lo dijo por malicia, sino para ayudarme a salvar mi trabajo). Pero afortunadamente Abraham me dijo que el audio esta en un muy buen estado y al masterizarlo quedará aun mejor.

Mis hermanos han sido músicos desde muy jóvenes, y al irme a sus tocadas fui testigo de cómo las diferencias entre artistas musicales los ponía en contra convirtiéndose en rivales mortales. Algo que les he pedido y suplicado con frecuencia en este blog es que no permitamos que nuestras diferencias nos pongan en contra, es como dijo Juan Antonio en la entrevista, “Andamos batallando para superarnos, lo peor que podemos hacer es ponernos en contra”. Después de lo de ayer veo que no llegaremos pronto a este punto, y espero que siga así, alcabo que la forma en que uno trabaje no le afecta en nada al otro.

En Friega!

He estado en friega estas últimas dos semanas, y las siguientes dos, tres o cuatro que vienen no parecen ser mas tranquilas. Es por eso que me he tardado en escribir aquí en el blog. Muchos tijuanenses, segun tengo entendido, leen este blog con el fin de enterarse de lo que esta pasando en la ciudad en cuanto cine y video, lo cual es sumamente halagador para mí.

Desafortunadamente no pude informarles a tiempo de BORDOCS, el foro documental que se llevara a cabo durante todo el mes de noviembre en Tijuana. Este Jueves pasado asistí al discurso de Sam Green...

...realizador del documental "Weather Underground" el cual estuvo nominado al Oscar como mejor Documental. Estuvo interesantísimo, pero desfortunadamente tuve que salirme antes de que terminara. Me quedé picado, y espero saber mas sobre este director.

Algo de lo cual tampoco pude informarles a tiempo es del ciclo de Cine que se estará llevándo a cabo todos los martes del mes, a las 8pm, en el Sotano de Rita (2nda y Calle Revolución) donde se mostrarán los trabajos de realizadores locales. El ciclo esta encabezado por Mickey Bezeta. este martes estaré presente en el ciclo, espero y puedan asistir.

Haré lo posible para escribir en el blog mas seguido, pero como ustedes comprenderan, antes que el cine esta la vida personal, y desafortunadamente no he llegado al punto en el que el cine se convierte como parte escencial de mi vida personal.

Control ****

“Control” no es una película limitada a los fans de Joy Division por que no trata solamente sobre este grupo, de hecho yo creo que decepcionará a todos aquellos que esperan ver la historia del grupo. El enfoque del filme es Ian Curtis, el vocalista que terminó suicidándose a la edad de 23 años, mi edad! Uno de los más grandes misterios es por que lo hizo, el filme implica muchísimas razones, pero no resalta ninguna de ellas.

Les voy a escribir algo que dice Tony Wilson, dueño de la disquera a la cual pertenecía la banda, en el filme“24 Hour Party People” sobre Ian, “Si escuchan las canciones de Ian, y descubren que terminó suicidándose, lo considerarán como un personaje triste y deprimente… pero yo tengo unos hermosos recuerdos de él…”, En efecto eso es lo que uno termina pensando sobre Ian al descubrir estos detalles de su vida, y son estos detalles los únicos que se han resaltado, pero en “Control” lo vemos también feliz, contento, ambicioso, e impulsivo. Digo impulsivo por que fue de esa manera que terminó casándose con Debbie, y fue de esa manera que terminaron teniendo una hermosa hija.

Una vez casados tuvieron una vida buena y normal. Claro, desde un comienzo vemos a Ian como una persona reservada que raramente expresa lo que siente frente a los demás, pero ser reservado no es lo mismo a ser deprimente. Y aun estando felizmente casado se encerraba en su cuarto a escribir poemas y disfrutar de su privacidad. Unos amigos de él, quienes conforman un grupo musical llamado Warsaw, le informan que necesitan un vocalista, y días después les dice que él quiere serlo. De una forma sumamente sintetizada vemos como cambian el nombre de la banda llamándola Joy Division, como conocen a Tony Wilson (locutor de un programa de TV que mostraba las bandas mas interesantes del momento), como Wilson decide incluirlos como parte de su nueva disquera, y como gracias a eso se convierten en un grupo sumamente popular. La razón por la que el director, Antón Corbjin, muestra todo esto de una forma sintetizada no es solamente por que la banda NO es su enfoque, sino también por que todo esto se muestra mas a detalle en “24 Hour Party People” de Michael Winterbottom, y realmente no hay necesidad de revisitar los mismos momentos a detalle.

Lo que si vemos a detalle es la vida que llevaba Ian. Trabajaba felizmente en una agencia de desempleo, y fue aquí donde fue testigo de lo que es tener epilepsia ya que uno de sus clientes le da un ataque frente a él. Mas aterrado queda aun cuando se entera días después que esta cliente fallece. Esto es sumamente impresionante para él. Una noche, mientras daban la vuelta en el carro él y su banda, le da un ataque similar a la de su cliente, y al ir al hospital le informan que tiene epilepsia. Esto es lo que deprime a Ian, esto es lo que lo convierte en una persona nostálgica, y después de esto raramente vuelve a sonreír, raramente vuelve a estar contento, raramente vuelve a estar feliz. Después de esto nada deja de ser importante para él, ni la banda, ni sus amigos, nisiquiera su matrimonio. Bueno, mas bien, mucho menos su matrimonio. Debbie es la principal afectada de si depresión.

En un concierto conoce a una reportera llamada Annik, a quien le confiesa que su matrimonio fue un error, y con quien más adelante tiene un romance. Es triste cuando le confiesa eso ya que Debbie lo ha apoyado al cien porciento, incluso es ella quien le da el dinero para grabar su primer demo antes de que pertenecieran a la disquera de Tony.

Es en este love triangle donde vemos lo mucho que se le complicaba la vida Ian: Decía que amaba a Annik y que su matrimonio era un error, pero tampoco podía separarse de Debbie y no necesariamente por la niña ya que decía que también la amaba a ella. Al escuchar que un hombre sigue con su esposa mientras que al mismo tiempo le esta siendo infiel, él se ve como un desgraciado. Pero este no es el caso de Ian ni de muchas otras personas en situaciones similares. Las ama a las dos, y es difícil decidir entre ambas. Durante el filme parece tener preferencia por Annik, pero eso se debe a que ella se encuentra en la etapa de la conquista, mientras que Debbie esta en la etapa de la rutina.

Joy Division también era algo de lo cual no podía formar parte ya, lo desgastaba mucho. Fácilmente podría haberse salido y ya, pero sentía la presión de los admiradores y del hecho de que estaban a punto de irse de gira a E.U.

Ian Curtis tenía muchas cosas que muchos deseáramos tener, pero su depresión y su enfermedad intervinieron.

Este es un filme extraordinario, la fotografía en blanco y negro es hermosa, las actuaciones de Sam Riley y Samantha Morton como Ian y Debbie son extraordinarias, y sorprendentemente tiene un humor muy particular.

Ian Curtis 1956-1980

“Control” esta basado en el libro llamado Touching from a Distance escrito por Deborah Curtis, lo cual explica por que ella es interpretada como una esposa fiel, leal, y cariñosa que injustamente fue la victima mas afectada del estado de Ian, mas aparte Samantha Morton la interpreta de la manera mas tierna posible. Digo esto por que se ha dicho que ella también le fue infiel a su esposo en la vida real, lo cual no lo vemos aquí. Pero saben? si esto es cierto, realmente no se le podría culpar, especialmente por que el mismo Ian le dice que no habría problema si lo hubiera hecho. El libro es criticado por ser anti-Ian Curtis y ser pro-Deborah Curtis, tal vez es cierto, tal vez Debbie le guardaba mucho rencor a su esposo mientras lo escribía, pero Corbjin no hizo un filme en el cual se refleje este rencor, sino hizo un filme de una persona distanciada que arriesgó su matrimonio para encontrar la felicidad que tanto necesitaba en los lugares equivocados, pero desafortunadamente no la encontraría en ninguna parte ya que donde debió haberla buscado era dentro de sí mismo. Más triste aun es que no se dio cuenta de esto a tiempo.

Hasta el Viento Tiene Miedo (2007) ****

Sin duda habrá gente que me la raye por que crea que el nuevo remake de la clásica mexicana “Hasta el Viento Tiene Miedo” es excelente, así como ya hay gente que opine que es un asco por que no es la original. Lo chistoso es que ambos tipos de gente seguramente son la misma. Detesto cuando un remake supera a la original pero no se le da el crédito que merece por que el público o los críticos no pueden y no quieren quitarse la original de la cabeza.

“Hasta el Viento Tiene Miedo” de Gustavo Moheno no es mejor que la original, pero tampoco es peor. Sobresale en hacerle justicia a la clásica, y sorprendentemente sobresale en llegar a asustar a la audiencia. Yo soy una persona que difícilmente se asusta con una película, de hecho son solamente tres las que realmente me han asustado, pero si entiendo porque mucha gente salio huyendo de la sala entrando mejor a ver la película familiar donde Dwayne “The Rock” Johnson la hace de futbolista con una hija. Tiene unos buenos momentos escalofriantes, y exitosamente recrea algunos de los momentos más memorables de la original sin que parezca que están recreándola.

La historia es un poco diferente. La original se lleva a cabo en una escuela en la que seis o siete alumnas son forzadas por la cruel directora a quedarse durante las vacaciones a cumplir con sus pendientes escolares. En esta nueva versión no es una escuela, sino un asilo psiquiátrico en el cual acaba de ingresar una nueva paciente llamada Claudia (Martha Higareda), una adolescente que se intentó suicidar en dos ocasiones por no tener el cuerpo de una modelo. Imagínense! Una chamaca con el cuerpazo de Martha Higareda quejándose de su cuerpo! Pero bueno, supongo que es la parte irónica de la historia. Este asilo es coordinado por la directora Bernarda (Verónica Langer), y al lado de ella trabaja la Dra. Lucía (Mónica Dionne) especializada en ginecología. Con el tiempo conoce a las otras cuatro pacientes, entre ellas Josefina (Danny Perea) quien es mas perturbada de todas. A diferencia de otra paciente anoréxica, el resto parece tener más que nada problemas con controlar su ira, tan grave es controlarse que una de ellas ataca a Claudia por meterse en problemas. Con el tiempo Claudia logra ganarse la confianza de Josefina, y un día nota que tiene unos rasguños en sus piernas. “Quien te hizo eso?”, “Andrea!”, le contesta Josefina. ¿Quién es Andrea? Una paciente que se ahorcó un año atrás en la torre donde no pueden entrar las pacientes. Al enterarse de esto Claudia se obsesiona con tratar de averiguar mas sobre esta paciente, y al mismo tiempo comienzan a suceder cosas muy raras en el asilo.

Entre estas cosas raras están las frecuentes apariciones de Andrea, las cuales no son manejadas de una forma muy modernizada. Igualmente con la música, parece como si la banda sonora se hubiera grabado al mismo tiempo de la original. Tal vez son maneras en las que el director trata de hacerle tributo a la original.

Entre las escenas recreadas esta el stripptiese de una de las muchachas. En la original el baile erótico que hace Norma Lazareno esta tan bien coreografiado que parece como si lo hubiera planeado desde mucho antes (Aun así es una de las mejores escenas). En esta el baile es tan espontáneo que no parecen estar recreando nada, sino parecen simplemente estar siguiendo los impulsos de un grupo de adolescentes tratando de divertirse.

Las intenciones del fantasma son las mismas que la original, pero las razones por querer hacerlo son otras que no nos esperamos. En base a esto surgen momentos dentro de las mismas escenas recreadas que hacen perfecto sentido y le agregan mas dimensiones a la situación. No se si esté muy claro a lo que me refiero, pero para decírselos abiertamente tendría que revelar cosas que no quisiera revelar. Pero miren, les diré que hacer para que mas o menos me entiendan: Hay una escena casi al final cuando Martha Higareda se desnuda frente a un espejo y observa detalladamente su hermoso cuerpo, de acuerdo al punto en el cual se encuentra la trama es fácil saber por que lo hace, pero si recuerdan lo que se les acaba de revelar momentos atrás descubrirán que la razón es mas amplia de lo que creíamos. Curioso que siendo un remake no les quiera revelar detalles a nadie, mucho menos a los que ya vieron la original por que quiero que descubran los nuevos detalles por sí mismos.

La original es una formula, y no hubo manera para que los realizadores de esta nueva versión pudieran evadirla. Cuando se hizo la original no era formula aun, era algo diferente y emocionante. Ahora que sí es formula será difícil para que el público quede sorprendido y es posible que no les guste por esto. En cuanto esto no puedo decir nada ni culpar a nadie, supongo que es lo malo de rehacer una película de este tipo, pero algo si les digo, es un excelente remake, y en sí un filme bien hecho (independientemente de la original) ya que suceden tantas cosas interesantes que no borran, pero sí bloquean ligeramente todos los clichés que definen la formula.

Halloween en Corto

Anteriormente en Halloween me había ido a pedir dulces, a asustar gente en la calle, y en los últimos años me había ido de parranda (El año pasado me disfracé de mujer), pero nunca había hecho lo que hice en este año: Ir a ver cortos, y no cualquier corto, sino el único corto tijuanense que fue seleccionado este año en el Festival Internacional de Cine de Morelia. Me refiero por supuesto a “Algesia”, cortometraje escrito y dirigido por Cathy Alberich, y producido y fotografiado por su novio, Aarón Soto. Ambos realizadores son tijuanenses, y en efecto el corto es tijuanense, sin embargo la premier oficial se llevó a cabo en el Museum of Photographic Arts en San Diego, California en Abril. Después de eso se mostró numerosas veces ahí mismo en San Diego, incluyendo en el Comic-Con, y meses después se mostró en Morelia allá en el Sur. Pero nunca aquí en la ciudad. Siendo ambos Cathy y Aarón fans del género de terror se les hizo buena idea aprovechar el día de brujas para finalmente estrenarlo en la ciudad donde debieron haber hecho la premier oficial. ¿Por qué se tardaron tanto estrenarlo aquí en Tijuana? ¿Lo hubieran hecho si no hubiera sido Halloween? Eso es una duda que muchos tijuanenses tenemos, pero no tuvimos la oportunidad de contestarla esa noche ya que nisiquiera estuvieron presentes en el estreno. Pero nada de eso nos importó y decidimos asistir yo, Julio Pillado, y Mickey Bezeta al Antiguo Palacio de Gobierno, donde se llevó a cabo la presentación.

Carlos Sarabia

Nos esperábamos que hubiera mucho relajo, mucha gente disfrazada, fiesta, etc. Pero no, el lugar estaba completamente vació, bueno, por lo menos eso pareció hasta que encontramos la sala en donde se llevaría a cabo la presentación. Resulta ser que el organizador de este evento fue nada mas ni nada menos que Carlos Sarabia, mejor conocido como el vato que habla de cine en FUSION, y este evento consistía en mostrar los cortometrajes mostrados en las cuatro ediciones del Festival de Morelia, los cuales eran “La Ventana de Lucio” de Omar Yingo, “33 ½” de Aarón Soto, “Le Instant Avant” de Álvaro Zendejas (mejor conocido como el vato que estuvo nominado al Ariel), y “Algesia”. Este evento era mas interesante de lo que pensaríamos que fuera, pero en las palabras de Carlos, “No pudimos competir con el Halloween” ya que solo habían como diez personas presentes, y aunque durante la proyección llegaron unas diez más, el evento merecía mucha más audiencia, pero bueno. Entre la poca gente estaba Álvaro, lo saludé y me preguntó lo mismo que me preguntó Carlos cuando entré a la sala, “Como va el docu?”, “Ahí va!” le contesté.

Mickey Bezeta y Julio Pillado

Esperamos como veinte minutos a que llegaran Cathy y Aarón, pero ni sus luces. Cansado de esperar, Carlos decidió comenzar dando una breve introducción de lo que el evento consistía, y al terminar comenzó la función.

La Ventana de Luciano ****

Este corto cuenta la historia de Luciano, un joven inválido quien, al igual que James Stuart en “Rear Window” de Hitchcock, se la pasa en la ventana de su cuarto, solo que en vez de un telescopio es una cámara de video. Se la pasa grabando el cielo para grabar ovnis, ya que asegura que ha tenido contacto con extraterrestres. Silenciosamente entra a su cuarto un enfermero a quien Lucio nunca había visto antes, pero le informa que esta sustituyendo a la enfermera que normalmente lo cuida, y con quien Luciano parece tener una relación más allá de enfermera-y-paciente. Al principio no se llevan bien ya que el enfermero no cree en las teorías de Lucio en cuanto extraterrestres, pero mientras pasa el tiempo comienzan a llevarse bien, y el enfermero parece sentirse atraído hacia el paciente mientras lo asiste con sus masajes y terapias físicas. Poco a poco se pone más interesante, y más interesante aún es un momento, el cual me encantó y lo considero como el mejor del corto, en el que Lucio le pone un video donde grabó a un ovni. Nunca vemos el video, pero lo que si vemos es la reacción facial del enfermero al verlo, mientras que al lado Lucio lo ve totalmente emocionado como un niño cuando le muestra a su papá el diez que sacó en su examen. Son momentos como estos que enriquecen nuestra imaginación ya que no nos muestran lo que bien nos lo podemos imaginar basándonos en las expresiones faciales de los personajes.

El corto no es entretenido en el sentido de diversión, pero es de lo más cautivador. No se que cámara uso Omar Iñigo, parece ser Hi8, sin embargo tiene una imagen increíble. El final es muy bueno a excepción de los últimos treinta segundos. No son malos, pero cambian un poco el contexto del corto. Pero bueno, ese es solo un detalle muy pequeño dentro de un grandísimo proyecto.

Y por cierto, el corto es protagonizado por Héctor Jiménez, mejor conocido como Esqueleto en “Nacho Libre”, y da una increíble actuación que no me sorprende que haya llegado hasta Hollywood.

Al terminar le siguió “33 ½”, al terminar este le siguió “Le Instant Avant”, y al terminar este finalmente comenzó…

Algesia ***1/2

El crítico Robert Wilonsky comento en el programa “Ebert & Roeper” que cuando salió de ver “Sunshine” de Danny Boyle estaba seguro de darle un review positivo, pero mientras pasó el tiempo recordó todos los pésimos momentos del filme, y finalmente cambió de opinión dándole un review negativo. Lo mismo me pasó con este corto, solo que al revés. Cuando recién terminó le comenté a Bezeta y a Julio que me decepcionó lo demasiado que se pareció al filme “May”, lo cual sospeché desde que leí una sinopsis del corto y parecía mas bien una sinopsis de ese otro filme, pero en el camino del Antiguo Palacio a mi casa recordé todos los buenos momentos que tiene y acepté que es el mejor corto que se haya realizado por parte de las producciones Escandalous.

“May”, por si no saben, es un filme de terror que sigue la muy bien conocida fórmula sobre una muchacha rara que le gustan las cosas raras, no muy sociable, que es molestada o lastimada por otra gente y finalmente se le bota la canica y decide vengarse macabramente. De hecho, en la prepa hice un corto sobre ese mismísimo tema. La protagonista de “Algesia” es también rara con ideas raras, solo que no necesariamente es anti-social, no es molestada por nadie, y obviamente no termina vengándose de nadie. Al no ser similar en cuanto esto indica que “Algesia” no es una formula, y en efecto no lo es. Las similaridades que leí en aquella sinopsis son insignificantes, el corto pudiera tenerlas sin ser notables, pero los dos momentos más cruciales e importantes del corto son sumamente parecidos tanto en lo que literalmente pasa como en el impacto que causa en cuanto la historia. Uno de estos es el final, es tan, tan, tan, tan similar al final de “May” que creo que fue esto lo que terminó decepcionándome, y es lo que mantiene el corto distanciado de la perfección.

Después me cayó el veinte de que el corto me hizo sentir lo que la protagonista sentía, me identifiqué muchísimo con el personaje y el corto es tan universal que no se limita a mujeres solamente.

Lo interesante es que las escenas en las que la protagonista expresa sentimientos humanos tienen una atmósfera tenebrosa, pero saben? bien pudieran haber sido cómicas o dramáticas y el impacto hubiera sido lo mismo, pero es crucial para el final que se hayan manejado tenebrosamente. “May” contiene escenas como estas, pero también contiene clichés pertenecientes a la formula ya mencionada. Pareciera como que Cathy hubiera eliminado los clichés mostrando solo los mejores momentos, teniendo un buen resultado.

Antes de que Aarón involucrara a Cathy en sus trabajos, los cortos que hacía eran mas que nada estilistas; Lo único que importaban eran los colores, la fotografía, las tomas, la música, todo! excepto los personajes. “33 ½”, por ejemplo, cuenta una historia de amor, pero ni la historia ni los personajes son el punto, en ningún momento nos identificamos con lo que la protagonista piensa o siente. Con “Omega Shell” menos. En el 2005 estrenaron “Hueso” y me di cuenta que Aarón ya mantenía el enfoque en la protagonista. Sospeché que la razón por que haya logrado esto es que Cathy co-dirigió el corto, pero no estaba seguro. Ahora se que sí.

El personaje de este corto bien pudiera ser la niña de “Hueso” ya bien crecida. No se si Cathy quiere hacer una trilogía al estilo Iñarritu sobre mujeres que se complican su propia existencia, pero al menos que ese sea su plan, espero que para el siguiente cambie de tema, o por lo menos que tenga otro acercamiento que no sea terror.

Alvaro Zendejas y Carlos

Al terminar la proyección de los cortos, nuevamente paso afrente Carlos Sarabia. Momentos después pasó Álvaro Zendejas, ya que era el único director presente de quien mostraron sus trabajos, y dijo que ya quería hacer un corto que lidiara con historia, guión, trama,y diálogos. No quería simple y sencillamente animar y depender de efectos visuales. En efecto se ha cuestionado mucho el trabajo de Álvaro por que no lidia con estos aspectos del lenguaje cinematográfico, pero a diferencia de él, muchos realizadores son tan orgullosos y soberbios que no admiten que necesitan lidiar con ellos escudándose con los premios que se les ha galardonado. En cambio Álvaro es lo suficiente humilde para admitirlo, y por eso le tengo más respeto aún.

Pasó algo que me dio tanto risa como pena. Álvaro dijo que estaba muy desconectado del movimiento estos días, pero que gracias a un amigo llamado JOSE PAREDES ha estado informado de todo. Claro, al decir esto se refiere al blog. Cuando dijo eso me dio risa, no se por que, pero también me quite el gorro que tenía puesto como si quisiera que todos los presentes tuvieran una clara imagen de mi. Por que hice eso? Todo mundo sabe (bueno, al decir todo mundo, me refiero a mis amigos) que detesto ese tipo de comportamiento, pero no se, supongo que no supe como reaccionar.

Karina Muñoz

Al terminar el evento se quedaron todavía un rato Carlos y Álvaro por que llegaron los de FUSION, incluyendo Karina Muñoz, y decidieron cubrir el evento.

Julio, Bezeta, y yo salimos del lugar con una sonrisa en la cara, nuestras mentes estaban corriendo y saturándose tanto con ideas como con deseos de seguir haciendo cine. En mi caso salí con ganas de hacer un corto con tripié, cosa que nunca he hecho en un corto de ficción. Fue muy inspirador ver estos trabajos, comparamos este impacto causado en nosotros con el Corto Creativo, ya que también salimos con ganas de hacer cine al finalizar ese otro evento.

Al salir del Antiguo Palacio había muchísima gente corriendo por las calles disfrazados, mucho movimiento, mucho relajo. En este momento Julio dijo algo que me parece la mejor forma de terminar esta reseña, “Este es un buen recuerdo de Halloween”.

"Control" en San Diego!

Al fin, "Control", filme que cuenta la vida de Ian Curtis, cantante de Joy Division, llega a San Diego. La mala noticia es que solo estará presente por una semana. Se estrenará este viernes 2 de Noviembre en Ken Cinema en Hillcrest. Yo, Julio Pillado, Mickey Bezeta, y mi hermano Juan Carlos, vocalista de Orlok, estamos planeando ir. Irás tu?

Screening el Domingo, Mañana Premier!

En Marzo de este año el colectivo estrenó “Primavera 13” de Juan Antonio Pantoja, y “La Invasión” de Isaac Contreras. Ambos cortos eran interesantes, pero quedó claro que el colectivo se estaba paseando en territorios ya explorados por ellos mismos; “La Invasión” es una versión mejor hecha de “María Matilde Dinora” y “Primavera 13” era una compilación de todos los demás. Mañana estrenaran los dos cortos más recientes titulados “Hijo de Sangre” dirigido por JC Ayvar, y “La Ciudad Sin Horizontes“de Tiko Orozco en la sala de video del cecut, y ambos cortos son experimentos no tanto en cuanto estilo, sino en cuanto géneros ya que uno de ellos es de terror, y el otro es… pues… se podría decir surrealista, aunque Karla Martínez me aseguró que no lo era. Yo no estaré presente en la premier, es la primera vez que falto a un evento de este tipo desde que el colectivo se inauguró el año pasado, pero afortunadamente Ayvar me invitó al screening privado de los cortos que se llevó a cabo el domingo pasado ahí mismo en la sala de video.

Pues bien, llegué ahí 10 minutos antes de que comenzara el screening (Empezaba a las 5pm), y no había nadie, absolutamente nadie, nisiquiera en el cuarto de proyección. Le llame a Karla para confirmar si se iba hacer, y me dice, “Sí, pero es que comienza hasta las 5pm, y todavía faltan 7 minutos”. Regresé a la sala de video nuevamente y me encontré a un integrante del colectivo al cual había visto anteriormente, pero nunca había cotorreado. Se trata de Rubén alias el Rudo, egresado del segundo curso intensivo del CCC. Este hermano en ningún momento se me desprendió, y casi todo el rato la pasamos platicando y contando pequeños anécdotas de nosotros mismos.

Rudo: Vi un corto tuyo en tu blog.

JP: Oh sí, ese lo hice cuando tenía 17 años, bien morro. Fue mi primer corto.

Rudo: Órale! Me acuerdo que de morro yo quería hacer cortos, pero nunca lo intenté por que creí que no se podía.

No se por que, pero esto último que dijo realmente me caló, y me puse a pensar: Cuantos jóvenes no hubieron así en aquellos tiempos? Cuantos jóvenes no quisieron hacer cortos y no pudieron? Ahorita ya no pasa eso, ya todo joven de 17 años hace cortos (Lo cual es uno de los temas de mi documental). Y seguimos platique y platique mientras llegaron los demás del colectivo, entre ellos Karla y Ricardo Romero. JC Ayvar no fue el único que no pudo asistir, sino varios, y no los culpo, el clima estaba horrible. No se si fue por eso que no asistieron, pero entiendo si fue así.

Cuando llegaron suficientes entramos todos a la sala a ver los cortos.

El screening fue como cualquier otro screening, los realizadores vieron cosas y detalles que no les gustaron y los tomaron en consideración, supongo, para corregirlos, tales como el comienzo de “Hijo de Sangre” el cual se ve sumamente borroso.

A continuación pondré unas muy breves reseñas de ambos cortos, si planean asistir a la premier sin saber nada sobre ellos entonces no las lean.

Hijo de Sangre ***

Este corto lo sentí, tanto por la duración como por la forma en que JC maneja el género, como un episodio de “Outer Limits”, o más bien de “La Hora Marcada” o “7 Miedos”. Sí da miedo y llega a ser hasta tenebroso. Me recordó a “The Exorcist”, ya que tanto en este filme como en el corto, los mas aterrador es el audio, y sabiamente JC no lo sobreusa. Si fuera así hubiera perdido su impacto.

Este comienza con una madre aterrada mientras que el doctor atiende a su hijo que está gravemente enfermo, y al terminar el doctor le informa que no hay nada que pueda hacer y lo mejor es dejarlo en manos de Dios. Momentos después de que la madre reza a Dios por su hijo llega una señora que aparentemente es chamana, o bruja, o algo por el estilo, y al revisar al niño le informa a la madre que alguien le ha hecho brujería. La chamana decide salvarlo, pero…

Lo que sucede en los últimos cinco minutos no queda muy claro, pero no importa ya que tenemos una ligera idea de lo que sucedió. “Hijo de Sangre” es un buen corto, cumple su objetivo de asustarnos, pero el aspecto visual no es muy aterrador ya que la fotografía, realizada por Juan Manuel “María Matilde Dinora” González, es un poco más obscura de lo necesario, eliminando toda posibilidad de mostrar imágenes aterradoras. Abraham “Podofagus” Sánchez es un realizador que se enfoca muchísimo en el género de terror, y con tan solo ver el trailer de su nuevo proyecto es suficiente para asustarnos ya que contiene unas imágenes sumamente aterradoras y desconcertantes. Sin embargo, lo que “Hijo de Sangre” contiene tal vez no son este tipo de imágenes, pero si unos momentos tenebrosos favorecidos por el cauteloso y buenísimo uso de la edición y del audio. Y también me encanta un momento que cualquiera pudo haber mostrado como algo ordinario, pero JC lo muestra con suspenso.

La Ciudad Sin Horizontes **1/2

No es fácil definir a que genero pertenece este corto, en efecto tiene escenas surrealistas, entre ellas la mas importante de todas, pero no se, cuando lo vi no me vinieron a la mente ni Lynch, ni Jorodowsky, nisiquiera Julio Pillado. Para ser justos no es lo suficiente surrealista como para que ellos me hayan venido a la mente.

Comienza con un sueño donde una mujer modelo esta siendo fotografiada, pero todo vale gorro porque pisa caca de vaca. Después de eso se nos informa que era un sueño de esa mujer, y esta contándole a su marido lo mucho que le molesto el haber soñado con vacas. El marido la oye, pero no la escucha. En base a eso comienza un conflicto entre ambos, hasta que algo sumamente bizarro pasa. Al igual que el corto anterior, no queda muy claro que es exactamente lo que pasa en los últimos cinco minutos, pero la diferencia es que en este no tenemos una ligera idea de lo que acaba de suceder ni lo que esto aporta a lo que anteriormente vimos. Y cuando los créditos surgen nos preguntamos, “De que trata este corto?”.

Sí, lo mismo me acaba de pasar con “Inland Empire” de Lynch, pero con ese filme, a pesar de no entenderle, me llegó la sensación de que algo esta diciendo Lynch, pero me da miedo tratar de averiguarlo por que tendría que meterme a su cabeza y a sus pensamientos, los cuales son sumamente bizarros. En cambio con este corto, pues, no sentí nada. Claro, al decir que no sentí nada me refiero en cuanto lo narrativo, por que en cuanto la realización sentí que el colectivo superó todo lo que había hecho antes en cuanto decoración y dirección de arte. Cuando pasa lo que pasa que no les quiero mencionar, el audio es algo crucial, y es impresionante como queda sincronizado con la imagen en el instante que pasa. Aunque durante la discusión entre la pareja el audio no tiene buena calidad, pero recordemos, es un screening, y para esto son los screenings.

Pues bien, al terminar el screening me retiré, y así terminó ese día.

Me alegra que el colectivo allá experimentado al abarcar diferentes géneros, eso demuestra más flexibilidad por parte de ellos. Espero que les vaya bien mañana, que vaya mucha gente, y que obtengan una muy buena respuesta, aunque bueno, ahora que lo pienso, nunca han obtenido una mala. Le pregunté a Rubén cuando se iban a hechar un mediometraje o un largo, “Pa’l año quentra”, me contestó. Espero que así sea ya que nos queda bastante claro que el formato de corto lo tienen bien manejado.

Nota: Oh, y por cierto, nuevamente mencioné que “20 Pesos” es mi favorito, nuevamente se rieron, pero esta vez no me quede callado y les pregunté por que se reían. Abraham Sánchez, carnal, le atinaste con tu suposición, “Es que ese corto… pues… ni al caso”, me contestaron.

Imperial Beach Film...Festival?

A mi no me importan los premios aunque no lo crean, me encantaría el detalle, pero no es algo por lo que lucho al hacer mis cortos. Cuando se me informó que mi corto había sido seleccionado en el Imperial Beach Film Festival no pensé “Wow! Espero ganar un premio”, sino pensé, “Estodo, mi corto se mostrará en E.U.”, esta hubiera sido la primera vez que un corto mío se mostrara en E.U., así que estaba bien emocionado. Pero después de ese día esperaba, soñaba y anhelaba ganar un premio, es lo mínimo que pueden hacer los organizadores del festival para compensar lo terrible que fue este evento, pero saben algo? Ya no me importa! así que por eso ya voy a decir lo que realmente pienso de este "festival".

Fue una de las peores experiencias de mi vida, el peor evento de cine al cual he asistido. Este año Corto Creativo tuvo muchísimas fallas, y me quejé de ellas en el blog, pero siguió siendo un buen espacio para mostrar tus cortos e inspirarte al ver los demás. En cambio el Imperial Beach Film Festival no parecía un festival, nisiquiera parecía que estuvieran interesados en mostrar cortos y difundir el arte de los dos lados de la frontera. Era un cuarto enorme donde las únicas personas presentes eran el encargado del proyector, y dos señoras americanas, las cuales no entendían español y desafortunadamente mi corto no tenía subtítulos por que en la solicitud decía que no había necesidad de ponerlos. Fue una horrorosa experiencia, tanto que salí del lugar enojadísimo como a los cinco minutos de que comenzara mi corto. Pero yo tengo la culpa por no haberle hecho caso a Gil “Un Pinche Topo” González, quien me advirtió que el festival no era muy bueno, pero por otro lado tenía los comentarios de Aarón Soto, quien en su blog lo describe y lo halaga como uno de los mejores espacios que hay en San Diego, ¿Pero como no iba expresarse bien del evento que galardonó en dos ocasiones? O tal vez anteriormente el evento era más interesante. En junio de este año presenté el corto en el revolver junto con los de Julio Pillado, Mickey Bezeta, y Eder Carrillo, yo creo que ese evento fue mas divertido e interesante que el de Imperial Beach. Cuando le conté a mi novia me aconsejó que no dijera nada en el blog, “…igual y ganas algo”. Eso me hubiera compensado, pero ultimadamente por que habría sentirme mejor al recibir un reconocimiento por parte de un evento como este?

Oh, y otra cosa. Al enviar la solicitud cualquiera que deseara participar debía mandar 20 dlls. Osea, no solo jodieron con mi tiempo, sino hasta con mi dinero. Afortunadamente para los organizadores, yo soy una persona tranquila, y lo único que hice fue irme, pero hay otras personas que si hubieran tenido la misma aterradora experiencia que yo hubieran ido derechito con los organizadores para exigirles su dinero de vuelta, lo cual es algo razonable.

Lo que mas me da vergüenza fue todo el mitote que hice en blog cuando se anunció que mi corto había sido seleccionado, me sentí horrible al entrar a mi blog y leer ese post después de haber descubierto que en realidad era la peor estafa de la cual hasta este momento he sido víctima.

ELEPHANT: Después de 3 años la vuelvo a ver

Días después de haber visto el corte final de mi último corto, “Cenizas Quedan”, mi hermano Marco me dice...

MP: No se te hace muy larga la escena del video?

JP: Sí, pero quiero causar el efecto de “Elephant”.

A que me referí con eso?

“Elephant”, por si no saben, es una obra maestra escrita y dirigida por Gus Van Sant, quien unos años antes de hacer este filme había hecho un remake de “Phsyco” el cual fue un verdadero fracaso. En esta no cuenta lo que sucedió en la preparatoria de Columbine el 20 de Abril de 1999, sino lo interpreta para causar el terrible impacto que los alumnos sintieron aquel día. En caso de que no recuerden, en ese día dos alumnos llegaron a la escuela vestidos de negro y camoflageados, y comenzaron a dispararles a los otros alumnos causando la muerte de doce de ellos y un maestro.

Cuando ví el trailer aterrador de este filme me impactó tanto que empecé a investigar sobre el caso verdadero. Después ví “Bowling for Columbine” de Michael Moore, documental en el cual muestra que E.U. es un país donde matarse los unos a los otros parece ser algo común (“Somos homicidas por naturaleza?” cuestiona el papá de uno de los alumnos asesinados). Después de todo eso ví “Elephant”, el cual me mostró algo que ni los reportajes, ni las fotografías, ni el documental de Moore me había mostrado: El sentimiento de aquel día, el sentimiento de cómo los alumnos asistieron a clases como cualquier día normal, y todo cambió convirtiéndolo en el peor de sus vidas. Ese es un sentimiento terrible.

Hoy en día la audiencia espera entretenerse al estilo Hollywood cuando entran a la sala de cine, bueno, por lo menos la gran mayoría. Quieren ver acción, y si no pueden ver acción entonces tienen que ver una comedia. O mínimo algo con cierta coherencia. Otra cosa que también esperan es un final concluso, pueden estar viendo la mejor película que hayan visto en sus vidas, pero si termina con un final abierto, o sea, no concluso, entonces la película es un asco. Estas dos cosas que la audiencia quiere es algo que “Elephant” NO ofrece; No hay acción, no hay comedia, nisiquiera hay una trama o coherencia que seguir, y el final es abierto.

De hecho para muchos puede ser tediosa la forma en que Van Sant dirige el filme. Casi toda la película contiene tomas largísimas en donde los personajes no hacen nada en particular, la mayor parte del tiempo están simple y sencillamente caminando por los pasillos de la escuela. Son necesarias estas tomas? Sí, definitivamente! Lo importante de estas tomas no son los alumnos a los que la cámara sigue, sino lo que sucede alrededor de ellos. Que sucede alrededor de ellos? Nada! Pasan otros alumnos caminando al lado, se encuentran a amigos y los saludan brevemente, y escuchan sus pasos cuando no hay nadie en los pasillos. De nada serviría mostrar esto si fuera una película con trama ya que nada de esto le atribuye algo, o sea, no es algo necesario para la trama. En vez de mostrar a los alumnos caminar de un lugar a otro sería prudente que manipularan el tiempo mostrando como el personaje abandona un lugar en una toma, y como llega al otro lugar en la siguiente. Pero hacerlo de esa forma hubiera sacrificado lo que Van Sant quería mostrar, lo ordinario que puede ser un día normal.

Algo que el filme tampoco ofrece y la audiencia demandaría es una explicación a por que estos jóvenes hicieron lo que hicieron aquel día. En la vida real, y hasta este día, nadie tiene una respuesta o una explicación. Van Sant muestra como los alumnos populares se burlaban de ellos y los ridiculizaban, y en la escena de la masacre uno de ellos le grita al director aconsejándole que cuando un alumno se queje de que otros compañeros abusan de él no lo ignore como lo hizo con él. Pero esta no es la explicación, ni Van Sant lo muestra o lo resalta como si lo fuera. En la prepa dirigí precisamente un corto que trataba de una muchacha que era frecuentemente ridiculizada por dos compañeras de su escuela y terminaba vengándose de ambas. Pero estos jóvenes también mataron e hirieron a gente que nisiquiera los conocían, igual y hubieran sido sus amigos. Así que esa no es la respuesta, y creanme que nunca la vamos a encontrar. Hubiera sido muy superficial y conveniente si Van Sant hubiera mostrado una cuando no la hay.

Cualquiera hubiera mostrado la masacre de la forma que todos nos la esperábamos, gente corriendo, gritando, empujándose, tratando de escapar, etc. Pero en vez de eso vemos los lugares menos habitados de la escuela escuchando los balazos y los gritos de la gente. Ahora, es aquí donde se nota lo necesario que fueron las tomas largas. En esta escena también sigue a un alumno mientras camina tranquilamente por los pasillos, solo que esta vez, en lugar de ver como otros alumnos caminan al lado de él, vemos como corren desesperadamente tratando de huir, y cuando camina por unos lockers, uno de ellos esta en fuego. Lo mismo es cuando muestra a los dos jóvenes matar a gente, cualquiera hubiera mostrado a los asesinos disparar y a las victimas caer al suelo, pero en vez de eso los graba de frente disparando sin mostrar a las victimas caer (Bueno, cuando la masacre comienza si vemos a las victimas caer, pero es claro que no es eso lo que el director quiere mostrar ya que mantiene el enfoque en los asesinos mientras que las victimas se ven borrosas).

Al comienzo de esta reseña mencioné que antes de ver el filme leí sobre el caso verdadero y vi el documental de Michael Moore. Es importante para muchos que hagan lo mismo ya que Gus Van Sant asume que por lo menos tengamos noción del caso real para ver su filme ya que no nos explica nada, no nos cuenta lo que pasó antes o después de eso. Si tienen dudas sobre el caso no encontraran respuestas aquí. Lo que sí encontrarán es la noción de lo que es un día normal, lo casual que es estar en la escuela, y al final termina mostrándonos lo aterrador que puede ser estar en la escuela cuando un día deja de ser normal y se convierte en un día trágico.

El de Adriana

Mickey Bezeta en este momento se encuentra haciendo prácticamente lo mismo que yo, ya que él también esta haciendo un trabajo sobre el movimiento de cine independiente en la ciudad, solo que el de él no es un corto, sino una investigación escrita. Un día me llama a mi casa, y me informa algo que no sabía, “Ya hay un corto sobre el cine independiente en Tijuana”. Cuando me dijo esto me quedé paralizado, inmóvil, con la necesidad de tener que saber más sobre ese corto. Pero desafortunadamente, en ese momento Mickey aun no lo había visto. “Lo voy a ver en la noche, llámame a las 10pm para contarte de que trata”.

Llegué a la casa a las 10:15pm, le hablo y lo primero que me dice es lo siguiente, “Te tengo dos noticias, una buena y una mala. La mala: Abarca muchos de los temas que el tuyo abarcará. La buena: Esta manejado de una forma muy diferente al tuyo”. Me explicó a detalle todo lo que quiso decir, y finalmente quedamos en vernos días después en el Revolver y me lo prestaría. Pero al estar en el Revolver decidimos verlo ahí mismo, lo cual no sirvió de mucho por que no escuchábamos nada por el ruido que había en el café. Al llegar ese día a mi casa lo vi en silencio y sumamente concentrado.

“Cine Independiente en Tijuana” esta dirigido por Adriana Trujillo, a quien entrevisté ayer para mi documental, y a quien todo el mundo me recomendó que lo hiciera por su trayectoria (Tiene una maestría en documental por la Universidad Autónoma de Barcelona, y es co-directora de la productora audiovisual Yonkeart, entre otras cosas). Sin embargo, este documental fue su tesis al graduarse de la UABC, y para ella, es el clásico corto primerizo que a muchos de nosotros nos da pena mostrar. A mi me gustó, es bastante informativo.

Yo acabo de “entrar” al movimiento de cine y video en Tijuana apenas el año pasado, y desde ese entonces he conocido a gente que no tenía idea que existía en Tijuana. Creo estar al tanto de lo que ha pasado en este ambiente hasta ahora, y es por eso que me creí capaz de hacer este documental. Pero no puedo hablar del presente sin hablar del pasado, o por lo menos mencionarlo brevemente. Para esto tenía que entrevistar a realizadores como Salvador Ricalde, Giancarlo Ruiz, y a la misma Adriana, quienes estuvieron presentes en el comienzo de lo que es el movimiento ahora.

Pues el documental de Adriana habla más que nada de eso, del comienzo, de cómo, cuando, y por que surgió. Descubrí que en aquel entonces trabajos como los míos, los de Julio Pillado, o los de Abraham Sánchez hubieron sido más apreciados en aquel entonces por que normalmente se hacían puros documentales, pero cuando alguien hacía un corto de ficción llamaba la de atención de toda la gente dentro del medio. Uno de los primeros, si no es que es el primero que hizo ficción fue un realizador local llamado Héctor Villanueva, quien ahora es integrante del colectivo 5 y 10, pero en este momento se encuentra en Chile, creo, estudiando cine, creo. Héctor hizo un documental ficticio llamado “Todos los Viernes son santos”, el cual causó un gran impacto en Tijuana motivando a todos los jóvenes a hacer ficción. Lo más sorpresivo de este proyecto, nos informa un escritor Gabriel Trujillo, fue que hizo el corto con lo único que tenía. Lo que pasa es que en aquel entonces lo único que había a disposición era equipo para hacer reportajes televisivos, así que Héctor, utilizando toda su creatividad, combinó esto con la necesidad de hacer ficción, teniendo como resultado un reportaje televisivo ficticio. Tal vez hoy esto no suena tan creativo para algunos, pero en aquel entonces fue una grandísima novedad. De ahí se desató lo que hoy es el movimiento de cine en Tijuana.

Giancarlo Ruiz, uno de los realizadores más conocidos en la región, y considerado por muchos como el mejor de Tijuana, dice orgullosamente en el documental que él utiliza una cámara Hi8 para hacer sus trabajos. Esto aun sucede ahora, aun hay jóvenes que utilizan estas cámaras para hacer sus trabajos, la diferencia es que hoy en día no “debemos” de sentirnos igual de orgullosos como Giancarlo. Si han leído los posts mas recientes a este blog saben a lo que me refiero.

“Cine Independiente en Tijuana” es un documental muy informativo y útil para todo aquel que desee conocer más sobre el movimiento que hay hoy en día en Tijuana, y concluye con una pregunta por parte de Gabriel Trujillo que traté de contestar, pero la única respuesta que me venía a la mente es la que Trujillo ya había señalado como irrelativa a la pregunta.

Adriana Trujillo

Ahora que ya vi el documental de Adriana me doy cuenta que NO abarca los mismos temas que el mío, simplemente hay cosas que aun no han cambiado y es importante mencionarlas, como la falta de presupuesto, los cafés que están a disposición como espacios, etc. Pero el de Adriana habla de otros tiempos que yo catalogo como una especie de renacimiento en los cuales se valía experimentar, se valía cuestionar, y tenían otro concepto de lo que ahora se conoce como calidad técnica. Norma Iglesias habla sobre “Todos los Viernes son Santos” diciendo, “...Era muy casero, pero con calidad”, y mas adelante señala, “…ganó un premio en México”. Hoy en día haces algo casero y casi te ponen la pistola en la mano para que te vueles los sesos.

“Cine Independiente en Tijuana” lo pueden encontrar en la casa de la Cultura de la Colonia Altamira.

El Nuevo Corto del Bezeta, y la reaparición del Vampiro.

Aquí les tengo el poster del nuevo corto de Mickey Bezeta. Por lo visto, Mickey ya quiere ponerse Jesus, el cual es posiblemente su segundo nombre. Dudo mucho que haya cambiado de nombre por cuestiones religiosas.

Oh, y otra cosa que debo mencionar sobre este corto...

He's Back Baby!

Si no has visto "El Mundo es un Vampiro" entonces no tienes idea de quien es este mono, pero algo si les diré a los que si lo vieron: Esta vez, la presencia de este personaje hará mucho más sentido.

5 y 10 en la Lázaro: Un éxito!

El pasado miércoles le hablé por teléfono al profesor Enrique Briseño de la Lázaro para cuestionarle sobre un rumor que había escuchado ese día, y a final de cuentas nunca supe si el rumor era cierto o no por que el profe, sabiendo que estoy haciendo un documental de cine en Tijuana, me invitó a que asistiera el viernes a una presentación que nuestros hermanos del colectivo 5 y 10 harían en la sala de video en la misma preparatoria. Por supuesto asistí.

Debo informarles que fue todo un éxito, los alumnos se quedaron completamente asombrados, aunque al igual que cuando yo presenté mis cortos, no hicieron ninguna pregunta cuando se les dio la opción. Quien también quedó asombrado fue el profesor Briseño, pero más aún yo y los del colectivo ya que nos dijo que nunca había visto el trabajo de 5 y 10, lo cual se me hizo raro siendo que el profe ha estado siempre bien pendiente del movimiento local.

Llegando a la Lázaro me encontré al hermano menor de Julio Pillado, le pregunté si sabía algo sobre la exposición, me dijo que sí y me entregó el flyer del evento, lo cual me dio risa. Chequen la imagen de abajo…

Aparentemente, hay una mujer sumamente egocéntrica dentro del colectivo que le puso su nombre a uno de los cortos… por supuesto, estoy siendo sarcástico, estoy consciente que fue un error, y también estoy consciente de lo irónico que es que llame a alguien egocéntrico cuando hace 5 años hice un corto en el cual el protagonista era yo con otro nombre.

Pues bien, llegué a la sala y afuera estaban…

Juan Manuel González (director “María Matilde Dinora”)

Ricardo Romero (director “20 Pesos”)

…y Karla Martínez (directora “Despedida en Tono Menor”).

Los saludé, y momentos después llegó el profesor y me presentó sin saber que ya conocía a Juan Manuel y Karla.

Como siempre, el profe nos introdujo a los cuatro, a mí como “testigo”, y al terminar comenzó la función.

Pasaron “20 Pesos”, “Flor del Nopal”, “Despedida en Tono Menor” y “María Matilde Dinora”. Al terminarse este último hicieron una pausa y los integrantes pasaron afrente para informarle a los veinte alumnos presentes que era el colectivo 5 y 10. Yo, en todo momento, estaba grabando. El profe se tuvo que ir, pero no sin antes felicitar a los integrantes por su labor. Nuevamente, todos tomaron asiento y pasaron “Pedro y Megatrón”, “Primavera 13”, y finalizaron con “La Invasión”.

Juan Manuel: ¿Cual les gustó más?

Alumnos: Pedro y Megatrón!

Después, los integrantes les dieron más información a los alumnos sobre el colectivo y aconsejaron que ingresen a una escuela de cine si están interesados. En este momento, Juan Manuel dijo algo que se me hizo un poco inapropiado e injusto, “...No se cierren a nomás usar Hi8 o Handicams”… cierren?...CIERREN??? Hermanos, no es que los realizadores locales que usan este tipo de cámaras se cierren, sino lamentablemente no tienen otra opción. Yo uso handicam, pero no por que no quiera usar otra más profesional, lo que pasa es que cuando fui a Best Buy nomás para esa me alcanzó, no traía $3000 dlls. para comprarme una profesional de 24 cuadros por segundo. Y así es en toda la región, o que me dicen de Mickey Bezeta? El pobre se ve forzado a usar una Súper VHS para su nuevo corto. No podemos rentar una por que lo que gastaríamos para el deposito lo ocupamos para el transporte, el casette, y la leche. Creanme que si fuéramos ricos, o si las cámaras pro fueran mas baratas, mandáramos a volar las Hi8 y las handicams, todos quisiéramos hacer eso. Pero no podemos, esta es la triste realidad en la que vivimos en este hermoso pero tercermundista país.

Pues bien, después de concluir la presentación los alumnos se acercaron para más información sobre el colectivo. Esto me trajo bellos recuerdos, ya que cuando yo iba en la prepa Omar Foglio asistió presentando un programa de televisión que no llevaba mucho tiempo en el aire llamado Bulbo. Me le acerqué también para más información.

Y así terminó el evento.

Ese día todos salimos ganando: El colectivo recibió buena respuesta por parte de los alumnos, los alumnos y el profe quedaron encantados con los cortos, y yo conseguí más material para el documental. Me alegra que les haya ido bien a mis queridos y estimados hermanos, y en base a la reacción de los jóvenes, les aseguro que el movimiento va a crecer más.

Nota:

Tal vez no debería decir lo siguiente, pero aparte del cine, este blog es mi única forma de expresión, así que lo diré:

La forma en que trabajamos yo, Julio Pillado, Mickey Bezeta, Omar Trejo, Abraham Sánchez, y Álvaro Zendejas es muy diferente a la forma en la que trabajan los integrantes de 5 y 10, a nosotros nos gustan cosas que a ellos no, y viceversa. Pregúntenle a Alberto Gutiérrez, mejor conocido en blogger como ALVERTOV. Sin embargo, siempre que hablo con ellos es sumamente placentero. No soy del colectivo, pero no por eso me hacen sentir menos o me excluyen, al contrario, me hablan y me inspiran muchísima confianza. Nos saludamos a veces de abrazo, y hablamos de lo que estamos haciendo independiente a nuestras diferencias, ya que a final de cuentas todos queremos lo mismo: Hacer cine. Pero esta vez la cosa fue, pues, distinta.

En esta ocasión sentí como que había una energía electromagnética entre ellos y yo, un escudo que no me dejaba convivir con ellos por no ser del colectivo. Estoy seguro que esa no fue intención ni de Juan Manuel, ni de Ricardo, ni mucho menos de Karla, pero eso fue lo que sentí. Había numerosos momentos incómodos de silencio, los cuales YO quebraba al hacerles preguntas y tratar de sacarles platica, pero a final de cuentas volvíamos a lo mismo. Desde que comencé el documental he estado en contacto con Karla vía email y teléfono, y me ha apoyado tanto que en todas ocasiones lo último que me dice es, “lo que necesites nomás dinos”. Sin embargo, la Karla que estaba presente ayer no parecía ser la Karla que me ha estado ayudando con mi proyecto. Debo aclarar, no se portaron groseros, ni mamones, ni nada por el estilo (Si se hubieran portado así, no hubiera sido prudente mencionarlo en el blog), sino indiferentes, lo cual no entiendo. No soy ni mejor ni peor que ellos, no los considero ni mejores ni peores que yo, sino iguales, bueno, con la excepción de que yo nunca he tomado ningún curso intensivo, pero hasta donde yo se eso nunca les ha molestado. ¿Por que había esta incomodes de su parte? ¿Por que no pasa lo mismo con Juan Antonio, Alberto, Abraham, JC Ayvar, nisiquiera con Isaac, ya que conviví con él en una muy breve ocasión?

No debería ser así la cosa, debe de haber una unión muy aparte de nuestras diferencias, y hasta este momento yo creo que la hay, tan solo hace unos momentos hablé con Adriana Trujillo por primera vez por teléfono sobre mi documental y se portó increíblemente amable sin ninguna indiferencia. A lo mejor esa indiferencia que recibí esta vez fue algo ocasional, pero es nuestro deber asegurarnos que no sea algo permanente ya que en base a eso surgirán broncas entre colegas y todo lo que se ha logrado se derrumbará.

O no se, tal vez simple y sencillamente no les caí bien. Si por ahí va la cosa entonces ya no me meto y diré lo mismo que dice Vince Vaughn en "Swingers"...

"Certain people don't like me, and I don't like certain people".

Otra cosa…

José Paredes: ¿Tú dirigiste “20 Pesos”?

Ricardo Romero: Simón.

José Paredes: Hey huey, tu corto es mi favorito del colectivo.

Ricardo Romero: JAJAJAJAJAJ! Hey huey (… a Juan Manuel), me dice este huey “tu corto es mi favorito”. JAJAJAJJAJAJA!

Al terminar de reírse, Ricardo se dio la media vuelta, y se fue. Esa es la segunda ocasión que alguien del colectivo se ríe al saber que “20 Pesos” es mi favorito, y esta vez me sorprendió que haya sido el mismo director, ¿Por que se ríen? ¿Que tiene de gracioso que me guste ese corto?

Inland Empire

Hay un episodio de los Simpsons cuando Krusty the clown esta apostando con unos mafiosos, y al descubrir que no tiene nada con que apostar decide arriesgarse y apostar el violín que usa su hija. Al determinar su valor se les informa a los mafiosos que no vale mucho monetariamente, pero su valor sentimental está a todo lo que da! Lo mismo digo yo sobre “Inland Empire”, el proyecto más bizarro que he visto de David Lynch desde “Eraserhead”, y probablemente el mas cercano a su corazón y a su creatividad. No puedo decir si esta mejor o peor que sus filmes anteriores, es más, nisiquiera puedo decir si es un filme bueno o malo. Tiene momentos buenísimos como es de esperarse al ver un filme surrealista de Lynch, tiene escenas que por sí mismas sobresalen con una impresionante intensidad que igual y si fueran cortometrajes serían los mejores que existieran. Pero “Inland Empire” es como una compilación de tres horas de cortometrajes bizarros que tienen algo en común, pero nunca está del todo claro que es. En “Mullholand Dv”, el cual aun sigue siendo mi filme favorito de Lynch, parece haber coherencia la mayor parte del tiempo, pero en la última media hora se hace un despapaye, la coherencia y sentido común desaparecen, la personalidad y los nombres de los personajes cambian, y al terminar nos quedamos pensando que fue lo que pasó con los personajes que seguimos durante el filme antes de que todo se pirateara. Este impacto no se ha vuelto a repetir con los demás filmes surrealistas de Lynch ya que dejamos de pensar en los personajes desde muchísimo antes de que termine.

Ahora Lynch regresa con “Inland Empire” y nos lo restriega en la cara, ya que durante la primera hora todo parece normal, pero durante las otras dos todo deja de tener sentido. O tal vez sigue teniendo, pero yo desde hace tiempo aprendí a no buscarle sentido a los filmes surrealistas de Lynch ya que no llegaré a nada. En este último filme Lynch trabajó con una cámara digital, y ha prometido no regresar al celuloide por la obvia razón de que digital es más flexible y económica. No se si es por estas dos razones que nunca había hecho antes un filme surrealista de tres horas, pero mínimo algo tuvieron que ver. Ahora, en digital, Lynch puede trabajar más rápido, improvisando sin miedo a desperdiciar filme o a perder dinero, y es muy obvio que estos beneficios le dieron la seguridad que necesitaba para hacer lo que le pasara por la mente hacer mientras grababan. Tengo entendido que no hubo un guión al hacer este filme, lo cual me cuesta trabajo creer durante la primera hora ya que todo parece tener cierto orden, pero de las siguientes dos horas es muy probable que en efecto no había guión y todo dependió de las ocurrencias de los actores y de Lynch en el momento de grabar. Acaso es algo que debamos admirar? Hubo un momento en el que creía únicamente que no, ya que no me parece que sea realmente un reto. Aún pienso eso, pero también pienso que requiere valor hacer un filme en el cual desnudes tu lado creativo por completo sin importar lo que los demás piensen, por que esa es la única manera en la que alguien hiciera un filme como “Inland Empire”. Bueno, en realidad muchos desnudan su lado creativo sin importar lo que los demás piensen, pero para alguien con una creatividad tan bizarra como la de Lynch requiere valor expresarlo. Debo admitir que también se requiere valor para ver este filme, es difícil ver cine sin coherencia, sin personajes, y sin historia durante dos horas (La primera hora si tiene todo eso). Es como ver “Omega Shell” 6 veces. Y es por esto que les aseguro algo: A la mayoría de ustedes no les va a gustar! La mayoría de ustedes se van a hartar y la van a quitar antes de que termine! Yo la sobreviví toda por que ya sabía a lo que iba, ya sabía que duraba tres horas, ya sabía que después de la primera hora todo iba a piratearse, y me preparé mentalmente momentos antes de verla. Pero si no son fanáticos del surrealismo, si no saben siquiera que es el cine surrealista, y si nunca han escuchado de David Lynch, es muy probable que sean los peores 180 minutos de sus vidas.

De que trata “Inland Empire”? Si pusiste atención a este post no te estas haciendo esta pregunta.

Epicas Fantásticas: Sexing-It-Up!

Desde que en el 2001 salieron al cine “Lord of the Rings” y “Harry Potter”, los estudios han tratado de tomar posesión de todas las historias épicas de fantasía para adaptarlas a la pantalla grande. Con “Eragon”, que salió el año pasado, quedé exhausto sin querer ver o saber de otro filme de ese tipo. Tiempo después sale un filme llamado “Bridge to Tarabithia”, “PUTA MADRE! OTRO?!”.

Un día de este verano pasado estaba en casa de Perla, mi novia, ella estaba acostada en su cama, enferma. Yo sentado al lado de ella, abrazándola. “Quieres ver una película?” me contesta que sí. Cual creen que era la única disponible? Lo adivinaron, Tarabithia, “Ni pedo!” me dije a mi mismo. Dos horas después tanto yo como mi novia quedamos asombrados, ya que el filme no es del tipo del cual he estado hablando, terminó siendo diferente, mejor! Es obvio que los estudios lo promovieron como un filme de fantasía para jalar a más gente, más que nada a niños. Que hayan salido de la sala decepcionados es algo que a los estudios no les importa, al cabo ya pagaron el boleto.

Algo ligeramente similar pasó el pasado miércoles cuando fui a ver “Stardust” ya que realmente no había mejor opción. No, no voy a escribir una reseña de ese filme ya que realmente no es necesario, ya todos sabemos el tipo de filme que es. “Stardust”, a diferencia de “Bridge of Tarabithia”, no es tan diferente a lo que proyecta ser en los cortos ya que sí es una aventura épica de fantasía, la cual incluye acción, brujas, unicornios, magia, etc. Pero también contiene algo que estos filmes usualmente no incluyen, y es precisamente esto lo que la hace digerible: Referencias sexuales… muchas!

Tan solo en los primeros 5-10 min. Una mujer le coquetea a un hombre y lo invita dentro de la carreta/casa en la cual vive, y vilmente el narrador dice, “Nueve meses después, él recibió una sorpresa en la puerta de su casa”. En este punto toda la gente estaba riéndose no de lo que pasó, sino del simple hecho de que haya pasado. Y así sucede durante todo el filme. También tenemos una escena en la que la villana de la historia, interpretada por la súper extremadamente aún sexy Michelle Pfeiffer, se desnuda de pies a cabeza y se chulea a sí misma al verse en el espejo. O que tal la escena en la que esta villana, siendo bruja, convierte a un hombre en una mujer bien dotada de arriba, y se las mira completamente impresionado hasta llegar a tocárselas. Más adelante le ayuda a la protagonista, Claire Daines, a desvestirse para darse una ducha, claro, sigue siendo hombre por dentro, y precisamente por ser hombre lo excita la idea de desvestirla. Debido a esto, cuando la ayuda la mira con lujuria, aun teniendo el cuerpo de mujer. Así que básicamente tenemos en la pantalla a una mujer mirando lujuriosamente a otra, mientras que al mismo tiempo se le acerca hasta que los labios de ambas quedan a 5 cm. de distancia, lo cual es algo que no vimos en “Lord of the Rings”,o “..Narnia” , o cualquier otro tipo de película de este tipo.

Igualmente, durante todo el filme los personajes indirectamente hacen bromas sexuales, homosexuales, hasta llegar al punto en el que los protagonistas despiertan en la misma cama, ella aún desnuda mientras él se cambia. Las mencionadas bromas sexuales dominan el filme, y es por esto que nos divertimos de una manera que usualmente no nos divertimos en filmes como estos. Oh, y nisiquiera he mencionado lo del personaje de Robert DeNiro.

Nota: En cuanto Claire Danes, diré sobre ella lo mismo que dije sobre Kate Winslet en 1997, “She’s fucking gorgeous… Dicaprio, you lucky bastard!”.

Bezeta en "La Esquina".

Aquí tenemos a Mickey Bezeta presentando el nuevo ciclo de cine organizado por él, Jorge Camarillo, y la UDC en el programa de televisión titulado "La Esquina". Disfruten!

Nuevo Cine Club

No viene su nombre en esta imagen, pero Mickey Bezeta es quien tomó la iniciativa para realizar esta propuesta, de hecho es él quien seleccionará las películas que se mostrarán en este nuevo cine club que ha surgido con el apoyo de Jorge Camarillo y la Universidad de las Californias. Asistan si pueden!